Vassily Kandinsky

Vassily Kandinsky

Tableaux, Peintures célèbres, Faits marquants, Biographie, Citations, Reproduction sur toile

Raccourci des tableaux :

 Vassily Wassilyevich Kandinsky ; (16 décembre 1866 - 13 décembre 1944) était un peintre et un théoricien de l'art russe. Kandinsky est généralement crédité comme le pionnier de l'art abstrait Né à Moscou, Kandinsky a passé son enfance en Ukraine, où il a été diplômé de l'école d'art Grekov Odessa. Il s'inscrit à l'université de Moscou, où il étudie le droit et l'économie. Réussissant dans sa profession - on lui propose un poste de professeur à l'université de Dorpat (aujourd'hui Tartu, Estonie) - Kandinsky commence à étudier la peinture (dessin d'après nature, croquis et anatomie) à l'âge de 30 ans.

En 1896, Kandinsky s'installe à Munich et étudie d'abord à l'école privée d'Anton Ažbe, puis à l'Académie des Beaux-Arts. Il retourne à Moscou en 1914, après le déclenchement de la Première Guerre mondiale. Après la Révolution russe, Kandinsky "devient un initié de l'administration culturelle d'Anatoly Lunacharsky et participe à la création du Musée de la culture de la peinture. Cependant, à cette époque, "sa vision spirituelle... est étrangère au matérialisme argumentatif de la société soviétique" et des opportunités se présentent en Allemagne, où il retourne en 1920. Il y enseigne à l'école d'art et d'architecture Bauhaus de 1922 jusqu'à sa fermeture par les nazis en 1933. Il s'est ensuite installé en France, où il a vécu le reste de sa vie, devenant citoyen français en 1939 et produisant certaines de ses œuvres les plus importantes. Il est mort à Neuilly-sur-Seine en 1944, trois jours à peine avant son 78e anniversaire.

 

Les 9 peintures les plus célèbres de Vassily Kandinsky

 

10 faits sur le grand artiste Vassily Kandinsky

1. Il suit une formation de juriste

Avant de se consacrer entièrement à l'art, Kandinsky se plie à la volonté de ses parents et étudie le droit à l'université d'État de Moscou. Il obtient son diplôme en 1893 et enseigne le droit à l'université pendant trois ans. On lui propose alors un poste de professeur de droit à l'université de Dorpat à Tartu (Estonie actuelle). Kandinsky, qui vient d'avoir 30 ans, décide plutôt de se consacrer à la peinture.

2. Il est inspiré par la musique

Kandinsky pense que l'art est étroitement lié à la musique. C'est en partie une représentation de "Lohengrin" de Wagner au théâtre Bolchoï qui l'a incité à abandonner sa carrière d'avocat. Kandinsky a décrit cette expérience dans son autobiographie, Steps : "Les violons, les basses profondes et surtout les instruments à vent représentaient pour moi toute la force de l'heure crépusculaire ; dans mon esprit, je voyais toutes mes couleurs, elles étaient toutes là, dans l'œil de mon esprit. Des lignes sauvages, presque folles, étaient peintes devant moi." La musique l'a inspiré pour créer de nouvelles œuvres tout au long de sa carrière. Par exemple, après un concert d'Arnold Schoenberg à Munich en 1911, il a peint "Impression III (Concert)" (galerie Lenbachhaus, Munich).

3. Il était designer et photographe

Trouver une synthèse entre les arts était extrêmement important pour Kandinsky, et il ne s'est pas limité à l'art et à la musique. Il a conçu des intérieurs, des vêtements et des meubles et a créé des croquis pour la peinture sur porcelaine. Il s'est également intéressé à la photographie et à la cinématographie.

4. Il a peint des scènes de la vie de campagne

À la recherche d'un nouveau langage artistique, Kandinsky a d'abord essayé différents styles. En 1896, il est stupéfait par une exposition des "meules de foin" de Monet à Moscou. Plus tard, alors qu'il étudie à l'école d'Anton Ažbe à Munich, Kandinsky essaie d'utiliser des coups de pinceau séparés et des couleurs pures. Il se sent proche de l'art nouveau et du symbolisme. Au cours de cette phase, il peint des scènes traditionnelles de propriétés rurales, telles que "Crinoline Lady" (1909, Galerie Tretyakov). Après son séjour en Europe, les œuvres de Kandinsky présentent des éléments du fauvisme et du mouvement Les Nabis.

5. Les critiques le qualifient de toxicomane et de fou.

Les premières œuvres abstraites de Kandinsky sont précédées d'une simplification et d'une destruction progressives des formes, qu'il pratique non seulement en peinture mais aussi en xylographie. Lors de la deuxième exposition de l'Association des artistes du Nouveau Munich en 1910, à laquelle participent des artistes tels que Picasso, Braque et van Dongen, Kandinsky présente son "Esquisse pour la "Composition II" (Musée Guggenheim, New York). Les critiques l'ont accueilli avec des commentaires cinglants, écrivant notamment que l'œuvre avait été peinte par un fou ou quelqu'un "sous l'influence de la morphine ou du haschisch."

6. Il a peint le premier tableau abstrait du monde

"Tableau avec un cercle" est considéré comme le premier tableau abstrait de la carrière de Kandinsky et le premier tableau abstrait au monde. Créé en 1911, il est actuellement exposé au Musée national de Géorgie à Tbilissi. Selon l'artiste, la nature donne une impulsion à la créativité, mais il ne sert à rien de la copier. Au contraire, la couleur donne le ton émotionnel principal d'une œuvre et aide à créer la composition, et la forme est une combinaison de plans et de lignes qui créent le mouvement.

7. Il a créé de nouveaux genres

En renonçant à un sujet dans ses peintures, Kandinsky a introduit une nouvelle classification des genres. À la place des catégories précédemment utilisées de portraits, paysages et natures mortes, Kandinsky a créé des "impressions" - des œuvres qui conservent un lien avec la nature ; des "improvisations" - des expressions spontanées et souvent inconscientes d'impressions et d'émotions internes ; et des "compositions" - une synthèse d'une forme externe et d'une substance interne exprimée à l'aide de lignes et de couleurs.

8. Il a insufflé la vie à la couleur

Pour Kandinsky, les couleurs avaient une valeur en soi, sans lien avec le sujet du tableau. Il appelait ses peintures "créatures animées" et pensait qu'elles avaient le pouvoir d'atteindre l'âme de celui qui les regardait. Sur la base des théories de Goethe, Kandinsky a établi ses propres interconnexions : le jaune rappelle le son de la flûte, est responsable des choses terrestres, souligne le mouvement vers le spectateur et correspond à un triangle. La couleur bleue, quant à elle, représente la tranquillité céleste, la tristesse, le mouvement qui s'éloigne du spectateur, un cercle et le son du violoncelle. Le rouge incarne l'ébullition intérieure et la forme d'un carré ; et le vert, l'immobilité et l'absence d'émotion.

9. Il était en désaccord avec le rationalisme des artistes de l'avant-garde russe

La nature irrationnelle et émotionnelle des œuvres de Kandinsky allait à l'encontre du rationalisme des autres artistes de l'avant-garde russe. Ce décalage est devenu particulièrement évident après la révolution, lorsque Kandinsky enseignait dans des instituts d'art nouvellement créés avec Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova et Lyubov Popova. Incapable de concrétiser ses idées en Russie, Kandinsky part pour le Bauhaus en Allemagne en 1922. Il y enseigne le dessin analytique et la peinture murale.

10. Il ne s'est pas conformé à l'esprit de l'URSS

Wassily Kandinsky était un artiste très prolifique. Entre 1909 et 1914, alors qu'il développait l'abstraction, Kandinsky a créé quelque 200 peintures et de nombreuses esquisses. Beaucoup d'entre elles ont été perdues. En Union soviétique, elles ont été envoyées dans des musées provinciaux et cachées dans des réserves car elles n'étaient pas conformes à l'esprit du réalisme socialiste, la forme d'art régnante à l'époque. Dans l'Allemagne nazie, ils ont été classés comme art dégénéré.

Photos

 
Vassily Kandinsky, 1913

Vassily Kandinsky, 1905

Vassily Kandinsky, vers les années 1940

Citations

 "La peinture est un art et l'art dans son ensemble n'est pas une vaine création d'objets qui se perdent dans le vide, mais une puissance qui a un but et doit servir à l'évolution et à l'affinement de l'âme humaine."
"Le blanc sonne comme un silence, un rien avant tout commencement."
"Le cheval porte son cavalier avec vigueur et rapidité. Mais c'est le cavalier qui conduit le cheval. Le talent conduit l'artiste à de hauts sommets avec vigueur et rapidité. Mais c'est l'artiste qui maîtrise son talent."
"Il vaut mieux ne pas jouer le rôle du temps, il travaille mieux que nous."

Biographie de Vassily Kandinsky

Moscou 1866-1896

Vasily Kandinsky est né le 16 décembre 1866 à Moscou dans une riche famille d'homme d'affaires, dans un bon environnement culturel. En 1871, la famille déménage à Odessa où son père dirige une usine de thé. Là, en plus d'aller au lycée classique, le garçon a appris à jouer du piano et du violoncelle et s'est familiarisé avec le dessin avec le professeur. «Je me souviens que le dessin, puis une peinture, m'ont distrait de la réalité», écrivit-il plus tard. Dans les œuvres de l'enfance de Kandinsky, nous trouvons des combinaisons de couleurs assez spécifiques, qu'il explique par le fait que "chaque couleur a sa propre vie mystérieuse".

Cependant, les parents de Vassily l'ont vu à l'avenir comme un avocat. En 1886, il est allé à Moscou et est entré à la faculté de droit de Moscou. Diplômé avec mention, six ans plus tard, Vasily épousa sa cousine, Anna ChimyakinaEn 1893, il devient professeur agrégé à la Faculté de droit et poursuit ses études. En 1896, à la célèbre université Derpt de Tartu, où se déroulait alors le processus de russification, Kandinsky, 30 ans, devient professeur à la faculté de droit, mais à ce moment-là, il décida de renoncer à sa brillante carrière et se consacre entièrement à la peinture. Kandinsky a rappelé plus tard deux événements qui ont influencé sa décision: une visite à une exposition impressionnistes français à Moscou en 1895 et le choc émotionnel ressenti par le tableau de Claude Monet, "Bottes de foin", et une impression de "Lohengrin" de Rihard Wagner au théâtre Bolchoï.

Munich, 1896-1911

En 1896, il se rend à Munich, alors considérée comme l'un des centres de l'art européen, et entre dans la prestigieuse école privée de peinture d'Anton Azbe (artiste yougoslave),  où il apprend la composition de peintures et d'œuvres. lignes et formes. Cependant, assez rapidement, l'école a cessé de répondre à ses besoins. Plus tard, l'artiste a écrit: "J'ai été très souvent tenté de faire l'école buissonnière et d'aller à Shvabing, à Englishen-Garten ou dans les parcs de l'Isar avec une mallette de peintre". En 1900, après un échec l'année précédente, Kandinsky entre à l'Académie des Arts de Munich, et étudie auprès de Franz Stuck, "graphiste allemand numéro un". Le professeur est content de son élève, mais trouve sa palette trop brillante. Pour répondre aux exigences du maître, Kandinsky dessine uniquement en noir et blanc toute l'année, «étudiant la forme telle qu'elle est».

Pendant cette période, Kandinsky a rencontré la jeune artisteGabriela Munter, et, en 1903, il a divorcé de sa femme Anna Chimyakina. Pendant les cinq années suivantes, il a voyagé avec Gabriela à travers l'Europe, peignant et participant à des expositions. De retour en Bavière,  ils s'installent dans la petite ville de Murnau, au pied des Alpes. Ce fut le début d'une phase de recherche intense et fructueuse. Les œuvres de ces années étaient essentiellement des paysages basés sur un décalage de couleurs. Le jeu des taches et des lignes colorées a progressivement remplacé les images de la réalité  (Akhtyrka. Automne. Une esquisse, 1901 ; Sluice, 1901 ; Old Town, 1902 ; Cavalier Bleu, 1903 ; Murnau 1908). Dans le même temps, il s'est tourné vers les fées russes épiques du passé, créant des images captivantes (Cavalier russe, 1902 ; Beauté russe sur fond de paysage, 1904).

Le Cavalier Bleu 1911-1914

Grâce à sa créativité active et son sens de l'organisation, Kandinsky a toujours attiré dans le monde artistique d'alors tout ce qui était intellectuel, agité en quête d'action. Par conséquent, en 1901, il fonde le groupe artistique Phalanx, à Munich, et ouvre une école, dans laquelle il enseigne lui-même. Pendant quatre ans, Kandinsky a organisé douze expositions de peintres membres de la Falanga. En 1909, avec Jawlensky, Kanoldt, Kulbin, Munter et d'autres, il a cofondé le Nouveau groupe d'artistes (Neue Kunstlervereinigung) de Munich (MKUM) et en est devenu le président. Le credo de l'entreprise est: non seulement chaque participant sait dire, mais sait aussi quoi dire. En 1900, Kandinsky a participé aux expositions de l'Association des artistes de Moscou, et en 1910 et 1912 aux expositions du groupe artistique "Jack of Diamonds". . En outre, il a publié ses critiques de Munich dans les magazines The World of Art et Apollo (1902, 1909). En 1911, Kandinsky crée un groupe avec son ami artiste Franz Matsch, appelé Cavalier Bleu (Blue RIder). Selon l'artiste, "l'accent était mis sur la révélation des propriétés associatives de la couleur, de la ligne et de la composition, et ils utilisaient diverses sources, telles que Goethe et la théorie romantique de la couleur de Phillip Runge, le "Jugendstil" et la théosophie de Rudolf Steiner".


Russie 1914-1921

Au début de la première guerre mondiale, Kandinsky est contraint de quitter l'Allemagne.  Le 3 août 1914, Gabriela et lui déménagent en Suisse  où Kandinsky commence à travailler sur le livre "Point et ligne". En novembre de la même année, ils se séparèrent. Gabriela revient à Munich et Kandinsky se rend à Moscou. À l'automne 1916, Kandinsky rencontra Nina Andreevskaya,  fille d'un général russe, et l'épousa en février 1917. Pendant ces années de crise de la révolution, Kandinsky était mêlé à des idiomes semi-abstraits, des paysages impressionnistes et des fantasmes romantiques. Dans ses peintures abstraites, la géométrisation des éléments individuels devient plus forte, ce qui s'explique, d'une part, par le processus de simplification approprié et, d'autre part, par l'atmosphère artistique d'avant-garde qui régnait à Moscou à cette époque.

En Russie, Kandinsky se trouve dans la veine du développement culturel et politique post-révolutionnaire. De 1918 à 1921, il colabore avec l'ISO de Narkompros (Comité populaire d'éducation) dans le domaine de la formation artistique et de la réforme des musées. De 1919 à 1921, il publie six grands articles.dans le domaine de l'éducation artistique et de la réforme des musées. De 1919 à 1921, il publie six articles majeurs. En tant que président de la commission des achats d'État au bureau des musées de la département ISO de Narkompros, il a participé à la création de vingt-deux musées provinciaux. La plus grande influence, cependant, est Kandinsky en tant que professeur des Svomas (ateliers libres) de Moscou, puis des Vkhutemas, En tant qu'enseignant à partir d'octobre 1918, il développa un programme spécial basé sur l'analyse de la couleur et de la forme, développant les idées contenues De l'esprit dans l'art. Puis, participant à la création et à la gestion de l'Institut de culture artistique de(Inkhuk), il a développé un programme d'études basé sur sa théorie là-bas. Cependant, son opinion diffère de celle du conseil d'administration de l'Institut. Les adversaires de Kandinsky - - Rodchenko, Stepanova et Popova - sont favorables à une analyse minutieuse des matériaux, pour leur disposition et leur placement constructifs. Ils rejettent catégoriquement toutes les manifestations d'irrationalité dans le processus de création. À son tour, Kandinsky s'oppose vigoureusement aux opposants constructivistes: «Ce n'est pas parce qu'un artiste utilise des méthodes« abstraites »qu'il est un artiste« abstrait ». Cela ne veut même pas dire que c'est le cas. blanc ou vert), il y a autant de coqs morts, de chevaux morts ou de guitares mortes. Il est tout aussi facile d'être un «scientifique réaliste» qu'un «scientifique abstrait». La forme sans contenu n'est pas une main, mais un gant vide rempli d'air. " Les attaques constantes d'autres artistes contre ses œuvres en tant que «spiritisme mutilé» (Punin)ont conduit Kandinsky à quitter Moscou en décembre 1921. L'idéologie socialiste de l'art qui a finalement conduit à la montée du réalisme socialiste a commencé après 1922. Les peintures de Kandinsky ont été retirées des musées soviétiques pendant de nombreuses années.

Bauhaus, 1922-1933

À son retour en Allemagne, Kandinsky accepte une invitation de Walter Gropius, le fondateur du célèbre Bauhaus (l'école supérieure de construction et de conception artistique). Avec Nina, il s'installe à Weimar où Kandinsky dirige un atelier de fresques. Il a de nouveau enseigné et développé des idées. Tout d'abord, ils entreprirent une étude analytique approfondie des éléments individuels de l'image, aboutissant à "Point and Line to Plane" en 1926.

Kandinsky a également beaucoup travaillé et expérimenté la couleur, appliquant sa base analytique et les conclusions de son enseignement. Les œuvres de Kandinsky subissent à nouveau des changements: les éléments géométriques individuels sont de plus en plus mis en avant, sa palette est saturée d'harmonies de couleurs froides, parfois perçues comme dissonantes, sinon le cercle est utilisé comme un symbole sensuel de forme parfaite.

"Composition VIII", 1923 est l'œuvre principale de la période de Weimar. Parallèlement aux œuvres conceptuelles, il crée à cette époque de petits mondes riches en fantaisie pour la maison d'édition Propilei et quelques tableaux de chambre, "intimes", comme "Petit rêve en rouge", 1925. Kandinsky donne également des conférences et expose aux États-Unis, où il a créé avec Feininger, Javlenskii et Klee le "Blue Four".

En 1925, le Bauhaus de Weimar a été fermé en raison d'attaques de partis de droite. La seconde période du Bauhaus à Dessau débute dans des conditions assez favorables: Kandinsky et d'autres artistes organisent des cours de peinture gratuits où, en plus de l'enseignement, ils peuvent peindre librement. "Jaune-Rouge-Bleu", 1925, est l'une des œuvres les plus importantes décrivant le stade du "romantisme froid" dans la peinture de Kandinsky. «Le cercle que j'ai utilisé si souvent ces derniers temps ne peut être qualifié que de cercle romantique. Et le romantisme contemporain est, en fait, plus profond, plus beau, plus corsé et salutaire - c'est un morceau de glace dans lequel brûle un feu. Et si les gens ont seulement froid, pas le feu, c'est dommage pour eux… ».  À Dessau, Kandinsky s'est laissé emporter par les idées romantiques du "Gesamtkunstwerk" (idée de synthèse des arts en une seule œuvre) avec une force nouvelle. Ces idées s'incarnent dans le Son jaune et dans le support graphique des Tableaux de l'Exposition de Moussorgski.

La peinture de Kandinsky de ses dernières années au Bauhaus était imprégnée de liberté et d'un drôle d'humour, qui se manifesteront à nouveau dans ses œuvres parisiennes tardives. Par exemple, sa peinture "Capricieux" (1930) peut faire référence à lui, évoque des associations cosmiquement égyptiennes, et est remplie d'images symboliques fantastiques dans l'esprit de Paul Glue, un artiste avec lequel Kandinsky s'est lié d'amitié à l'époque. Vers 1931, les nationaux-socialistes lancent une vaste campagne contre le Bauhaus qui aboutit à sa fermeture en 1932. Kandinsky et son épouse émigrent en France  où ils s'installent dans une nouvelle maison de la banlieue parisienne de Neuilly-sur-SeineEn 1926-1933, Kandinsky a peint 159 huiles et 300 aquarelles. Beaucoup d'entre eux ont malheureusement été perdus après que les nazis aient qualifié les peintures de Kandinsky et de nombreux autres artistes de «dégénérées».

Paris 1933-1944

La communauté artistique parisienne est réservée à la présence de Kandinsky. La raison en est l'isolement des collègues étrangers et le manque général de reconnaissance de la peinture abstraite. De ce fait, l'artiste vit et travaille seul, se limitant à passer du temps avec de vieux amis. A cette époque, la dernière transformation de son système de peinture a eu lieu. Désormais, Kandinsky n'utilise plus de combinaisons de couleurs primaires, mais travaille avec des tons de couleurs doux, raffinés et subtils. En même temps, il complète et complique le répertoire des formes: au premier plan, il y a des éléments biomorphiques qui se sentent à l'aise dans l'espace du tableau, comme s'ils flottaient sur toute la surface de la toile. Les tableaux de Kandinsky de cette période sont loin du sentiment de "romantisme froid", la vie y frémit et  et bouillonne (voir les tableaux "Bleu ciel", 1940, "Complexe-simple", 1939, "Ensemble coloré", 1938, etc.) L'artiste a appelé cette période de son travail "un vrai conte de fées pittoresque". Pendant la guerre, faute de matériaux, les formats de ses toiles devinrent de plus en plus petits jusqu'à ce que l'artiste doive se contenter de peindre à la gouache sur de petites boîtes en carton. Il a de nouveau rencontré l'aversion du public et de ses collègues. Et une fois de plus, il a développé et amélioré les fondements de sa théorie: «L'art abstrait met un nouveau monde à côté du monde« réel », n'ayant apparemment rien à voir avec la« réalité ». lois communes du "monde cosmique". De cette manière, le «nouveau monde de l'art» est juxtaposé au «monde de la nature». Ce «monde de l'art» est tout aussi réel, tout aussi concret. C'est pourquoi je préfère appeler l'art dit "abstrait" l'art concret.

Jusqu'au bout, Kandinsky n'a pas douté de son «monde intérieur», un monde d'images dans lequel l'abstraction n'est pas une fin en soi et dans lequel le langage des formes n'est pas «mort-né», mais est né d'un désir de durabilité et de vitalité .

Mort de Vassily Kandinsky

Vassily Kandinsky finira ses jours le mercredi 13 décembre 1944, d'une maladie  cérébro-vasculaire à Neuilly-sur-Seine.

Bien que toujours considéré comme controversé par beaucoup, il a gagné des partisans majeurs tels que Solomon Guggenheim et a continué à exposer jusqu'à sa mort.

Peu d'œuvres réalisées par Kandinsky en Russie ont survécu, bien que bon nombre des peintures qu'il a créées en Allemagne existent toujours. Les maisons de ventes de New York continuent de lui rendre hommage: son travail s'est vendu à plus de 20 millions de dollars ces dernières années. Kandinsky croyait que chaque époque laissait une marque indélébile sur l'expression artistique; ses interprétations vives de la couleur à travers la sensibilité musicale et spirituelle ont certainement changé le paysage artistique du début du 20e siècle, accélérant l'ère moderne.

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