Vassily Wassilyevich Kandinsky (1866-1944) était un peintre et un théoricien de l'art russe. Kandinsky est généralement considéré comme le pionnier de l'art abstrait. Né à Moscou, il a grandi à Odessa (aujourd'hui en Ukraine), où il a obtenu un diplôme de l'école d'art Grekov Odessa. Le jeune homme a fréquenté l'université de Moscou, où il a étudié le droit et l'économie. Ayant réussi dans sa profession, il s'est vu offrir un poste de professeur à l'université de Dorpat. Kandinsky commence à étudier le dessin (dessin de vie, croquis, anatomie) à l'âge de 30 ans.

En 1896, Kandinsky s'installe à Munich et s'inscrit d'abord à l'école privée d'Ažbe, puis à l'Académie des Beaux-Arts. Il est retourné à Moscou en 1914, après le début de la première guerre mondiale. Après la révolution russe, Kandinsky travaille sous la direction d'Anatoly Lunacharsky et participe à la création du musée de la culture de la peinture. En 1920, des opportunités s'offrent à lui en Allemagne, et il revient pour en profiter. Il y a enseigné à l'école d'art et d'architecture Bauhaus de 1922 à sa fermeture en 1933. Il a vécu en France jusqu'à la fin de sa vie, devenant citoyen français en 1939 et produisant certaines de ses œuvres les plus célèbres. Il meurt à Neuilly-sur-Seine le 26 juillet 1944, trois jours avant son 78e anniversaire.

Périodes artistiques

La création d'œuvres abstraites par Kandinsky a été précédée d'une longue période de développement et de maturation de sa pensée artistique. Il appelait cette dévotion à la beauté intérieure, à la ferveur de l'esprit et au désir spirituel la nécessité intérieure ; elle était au cœur de son œuvre. 

Jeunesse et inspiration

Vasily Silvestrovich Kandinsky était le fils de Lidia Ticheeva et d'un marchand de thé. L'une de ses arrière-grands-mères était la princesse Gantimurova, une princesse mongole ; son autre arrière-grand-mère était polonaise. Pendant son séjour à Moscou, Kandinsky a étudié auprès de différents professeurs. Pendant ses études, il a étudié de nombreuses matières, notamment le droit et l'économie. Plus tard, l'homme se souviendra avoir été fasciné et stimulé par les couleurs dès son enfance.  En grandissant, sa fascination pour le symbolisme et la psychologie des couleurs s'est poursuivie. En 1889, il se rend dans la région de Vologda, au nord de Moscou, au sein d'un groupe de recherche ethnographique. Dans Looks on the Past, Ruskin raconte que les maisons et les églises étaient décorées de couleurs si éblouissantes qu'en y entrant, il avait l'impression de pénétrer dans une peinture ou dans un autre monde. Cette expérience, ainsi que son examen de l'art populaire de la région (notamment l'utilisation de couleurs vives sur un fond sombre), se reflète dans une grande partie de ses premières œuvres. Quelques années plus tard, il compare pour la première fois la peinture à la composition musicale dans une lettre qu'il écrit : "La couleur est le clavier, les yeux sont les marteaux, l'âme est le piano à plusieurs cordes.  L'artiste est la main qui joue, touchant une touche ou une autre, pour provoquer des réactions involontaires dans l'âme. Kandinsky était également l'oncle du philosophe franco-russe Alexandre Kojève.

À l'âge de 30 ans, en 1896, Kandinsky abandonne une carrière prometteuse dans l'enseignement du droit et de l'économie pour s'inscrire à l'Académie de Munich, où il aura notamment pour professeur Franz von Stuck. Il a commencé à apprendre l'art par lui-même, et n'a pas été immédiatement admis dans l'école où il voulait être.  Avant de quitter Moscou la même année, il a vu une exposition de peintures de Monet . Il a été particulièrement séduit par le style impressionniste de Haystack ; cette peinture possède un puissant sens de la couleur qui semble presque indépendant des objets. 

Kandinsky s'est inspiré de Lohengrin de Richard Wagner, qui, selon lui, repousse les limites de la musique et de la mélodie. Il a également été influencé dans sa pensée spirituelle par les écrits de Madame Blavatsky. La théorie théosophique postule que la création se fait par une progression géométrique, à partir d'un point unique. Une série de cercles, de triangles et de carrés descendants constitue l'aspect créatif de la forme.  Kandinsky's book Concerning the Spiritual in Art (1910) and Point and Line to Plane (1926) echoed this theosophical tenet

La métamorphose

En 1902, Kandinsky invite Gabriele Münter à se joindre à lui pour ses cours de peinture d'été au sud de Munich, dans les Alpes. Elle a accepté son aide, et leur relation est passée de professionnelle à personnelle. Bien que l'école d'art soit généralement difficile, Kandinsky l'a trouvée facile. C'est à cette époque qu'il commence à émerger en tant que peintre et théoricien de l'art. Le nombre de ses peintures a augmenté après 1900. Les formes des paysages et des villes qu'il a dépeints, en utilisant de larges bandes de couleur et des formes reconnaissables, restent intactes. Dans la plupart des cas, cependant, les peintures de Kandinsky ne comportent aucune figure humaine ; Le tableau Dimanche, Vieille Russie (1904), dans lequel Kandinsky reflète une vue colorée (et exagérée) de campagnards et de nobles devant les murs d'une ville.  Couple à cheval (1907) représente un homme à cheval qui tient une femme dans ses bras avec tendresse et attention, alors qu'ils passent devant une ville russe aux murs lumineux et traversent une rivière bleue.  Le cheval est sourd, mais les feuilles des arbres, les bâtiments du front de mer de la ville et les reflets des uns et des autres dans la rivière brillent de taches de couleur et d'éclat. Cette œuvre montre comment l'artiste réduit la profondeur de champ en une surface plane et luminescente grâce au pointillisme. Les premières œuvres de Kandinsky témoignent également du fauvisme. Les couleurs sont appliquées pour dépeindre son expérience subjective de son sujet, et non pour décrire son apparence objective.

Le plus important de ses tableaux de cette période est sans doute Le Cavalier bleu (1903), qui montre un petit personnage masqué sur un cheval lancé à toute vitesse dans une prairie rocheuse. La cape du cavalier est d'un bleu moyen et projette une ombre d'un bleu plus foncé. Au premier plan se trouve une masse d'ombres bleues qui ressemblent aux arbres d'automne à l'arrière-plan.  Le cavalier bleu du tableau est proéminent, et le cheval a une démarche peu naturelle. Parallèlement, il commence à utiliser des disjonctions plus intentionnelles dans ses peintures, permettant aux spectateurs de participer à la création de l'œuvre d'art. Cette technique devient de plus en plus consciente et est utilisée par Kandinsky au cours des années suivantes. Dans Le cavalier bleu, Kandinsky présente le cavalier comme une série de couleurs plutôt que comme un objet. Ce tableau n'est pas exceptionnel par rapport à d'autres peintres contemporains, mais il montre la direction que prendra Kandinsky quelques années plus tard. 

De 1906 à 1908, Kandinsky passe beaucoup de temps à voyager en Europe avec le groupe symboliste de la Rose bleue, basé à Moscou, jusqu'à ce qu'il s'installe dans la petite ville bavaroise de Murnau. En 1908, Krishnamurti achète un exemplaire de Thought-Forms d'Annie Besant et Charles Webster Leadbeater. En 1909, il rejoint la Société théosophique, une organisation consacrée au spiritisme. La Montagne bleue (1908-1909), peinte à cette époque, marque une transition importante dans le travail de Kandinsky vers l'abstraction.  La montagne bleue est flanquée de deux arbres, l'un jaune et l'autre rouge.  Un cortège, composé de trois cavaliers et de plusieurs autres personnes, traverse en bas. Les visages, les vêtements et les selles des cavaliers sont tous d'une seule couleur, et ni eux ni les personnages ambulants ne présentent de détails. Les plans plats et les contours sont caractéristiques de l'influence fauviste. La large utilisation de la couleur dans La montagne bleue de Kandinsky illustre son désir de créer une forme d'art dans laquelle la couleur est présentée indépendamment de la forme, et dans laquelle toutes les couleurs reçoivent une attention égale. Le tableau est divisé en quatre sections : le ciel, l'arbre rouge, l'arbre jaune et la montagne bleue avec les trois cavaliers.

La période du Cavalier bleu

Les peintures de Kandinsky de cette période sont caractérisées par des masses de couleurs expressives qui sont évaluées indépendamment de leurs formes et de leurs lignes. Ils ne sont plus contraints par leur cadre, mais se chevauchent de manière fluide pour créer des tableaux d'une force énorme.  La naissance de l'art abstrait est intimement liée à l'avènement de la musique. La musique est abstraite par nature : elle ne cherche pas à représenter le monde extérieur, mais exprime de manière immédiate les sentiments intérieurs de l'âme. Kandinsky utilisait parfois des termes musicaux pour identifier ses œuvres ; il appelait ses peintures les plus spontanées "improvisations" et décrivait les œuvres plus élaborées comme des "compositions".

En plus de créer ses propres tableaux, Kandinsky a théorisé l'art ; son influence sur l'histoire de l'art occidental découle peut-être davantage de ses travaux théoriques que de ses peintures. Rauschenberg participe à la création de la Neue Künstlervereinigung München (Association des nouveaux artistes de Munich), dont il devient le président en 1909. Le groupe ne parvient pas à concilier l'approche radicale de Kandinsky (et d'autres) avec les concepts artistiques conventionnels et le groupe se dissout à la fin de 1911. En 1911, Kandinsky forme un nouveau groupe d'artistes appelé le Cavalier bleu (Der Blaue Reiter) avec des artistes partageant les mêmes idées, comme August Macke, Franz Marc, Albert Bloch et Gabriele Münter.  Le groupe a collaboré à la rédaction d'un almanach (The Blue Rider Almanac) et a organisé deux expositions. Plus de 100 sculptures prévues ont été abandonnées en raison du déclenchement de la Première Guerre mondiale en 1914, renvoyant Kandinsky en Russie via la Suisse et la Suède. 

Ses écrits dans The Blue Rider Almanac et le traité "On the Spiritual in Art" (publié en 1910) étaient à la fois des défenses et des promotions des formes d'art abstraites, qu'il considérait comme également capables d'atteindre un niveau de spiritualité.  Sa conviction que la couleur pouvait être utilisée comme quelque chose d'autonome, en dehors de la description visuelle d'un objet ou d'une autre forme. 

Ces idées ont eu un impact immédiat sur la communauté internationale, en particulier dans le monde anglophone. En 1912, Michael Sadleir a fait une critique du livre de Wassily Kandinsky intitulé On the Spiritual in Art dans le journal londonien Art News.  La publication par Sadleir d'une traduction anglaise de On the Spiritual in Art en 1914 a suscité l'intérêt pour Kandinsky. Des extraits du livre ont été publiés cette année-là dans le périodique Blast de Percy Wyndham Lewis et dans l'hebdomadaire culturel The New Age d'Alfred Orage. Kandinsky est également remarqué en Grande-Bretagne avant la Première Guerre mondiale ; en 1910, il participe à l'exposition des artistes alliés (organisée par Frank Rutter) au Royal Albert Hall de Londres.  Dans une critique de l'exposition de l'artiste Spencer Frederick Gore parue dans The Art News, le critique fait l'éloge de l'œuvre de Gore. 

L'intérêt de Sadleir pour Kandinsky a conduit à l'entrée des premières œuvres de Kandinsky dans une collection britannique ; Le père de Sadleir, Michael Sadler, a acquis plusieurs gravures sur bois et la peinture abstraite Fragment for Composition VII en 1913. La même année, Sadleir accompagne son père lors d'une visite à Munich avec Kandinsky. Ces peintures ont été exposées à Leeds, soit à l'université, soit dans les locaux du Leeds Arts Club, pendant une période allant de 1913 à 1923. 

Retour en Russie

En 1916, Andreevsky rencontre Nina Andreevskaya (1899-1980), qu'il épouse le 11 février 1917. 

Entre 1918 et 1921, Kandinsky s'est engagé dans la politique culturelle et a contribué à la réforme de l'enseignement artistique et des musées russes. Bien qu'il produise peu de peintures durant cette période, il se consacre à l'enseignement de l'art, avec un programme basé sur l'analyse formelle et chromatique. Il a également contribué à l'organisation de l'Institut de culture artistique de Moscou, dont il a été le premier directeur. Sa vision spirituelle et expressionniste de l'art est finalement rejetée comme trop individualiste et bourgeoise par les membres radicaux de l'Institut. En 1921, Kandinsky est invité à se rendre en Allemagne par l'architecte Walter Gropius pour fréquenter le Bauhaus de Weimar. 

De retour en Allemagne, le Bauhaus

En mai 1922, il participe au Congrès international des artistes progressistes et signe la "Proclamation fondatrice de l'Union des artistes internationaux progressistes".

Kandinsky a enseigné le cours de conception de base pour les débutants et le cours de théorie avancée au Bauhaus. Il donne des cours de peinture et organise un atelier dans lequel il complète sa théorie des couleurs par de nouveaux éléments de psychologie des formes.  Le développement de ses théories sur l'étude des formes, notamment sur les formes de points et de lignes, a conduit à la publication de son deuxième ouvrage théorique (Point and Line to Plane) en 1926. Le travail des artistes et celui des psychologues de la Gestalt ont influencé ses examens des effets des forces sur les lignes droites, ce qui a conduit aux tons contrastés des lignes courbes et angulaires. Les éléments géométriques prennent de plus en plus d'importance dans ses enseignements et ses peintures - en particulier le cercle, les demi-cercles, les angles, les lignes droites et les courbes. Cette période a été une période d'intense productivité.  Cette liberté exprimée dans les œuvres de Kandinsky se caractérise par le traitement de plans riches en couleurs et en tons gradués - comme dans Jaune - rouge - bleu (1925), qui illustre sa distance par rapport aux mouvements constructivistes et suprématistes influents à l'époque. 

Dans son tableau de deux mètres de large, Jaune-Rouge-Bleu (1925), Kandinsky a utilisé un rectangle jaune vertical, une croix rouge inclinée et un grand cercle bleu foncé; une multitude de lignes noires droites (ou sinueuses), d'arcs de cercle, de cercles monochromes et de damiers colorés épars contribuent à la complexité qu'il présente. Ce simple examen visuel de l'œuvre n'est qu'une première approche de la réalité intérieure du tableau, et une étude plus approfondie est nécessaire pour en apprécier le sens. Bien qu'il peigne à la fois la forme et les couleurs de ses sujets, ceux-ci ne signifient rien pour lui si ce n'est leur relation les uns avec les autres, leur position absolue et relative sur la toile et leur harmonie. 

Kandinsky était membre de Die Blaue Vier (Les Quatre Bleus), un groupe fondé en 1923 avec Paul Klee, Lyonel Feininger et Alexej von Jawlensky, qui a donné des conférences et exposé aux États-Unis. Le Bauhaus a quitté Weimar pour s'installer à Dessau en 1925, en raison de l'hostilité de la droite. Suite à une campagne de dénigrement nazie contre le Bauhaus, l'école quitte Dessau en 1932 pour Berlin, jusqu'à sa dissolution en juillet 1933. Kandinsky quitte alors l'Allemagne et s'installe à Paris.

La grande synthèse

Parce qu'il vivait dans un appartement à Paris, Kandinsky a créé ses œuvres dans un atelier de salon. Dans ses peintures, des formes biomorphiques aux contours souples et non géométriques apparaissent. Les formes qui suggèrent des organismes microscopiques expriment la vie intérieure de l'artiste. Kandinsky a incorporé des influences folkloriques slaves dans ses compositions colorées originales. En plus de mélanger le sable à la peinture pour créer une texture granuleuse et rustique, il a parfois mélangé du charbon de bois ou un autre matériau dans ses peintures. 

Cette période correspond à une synthèse des travaux antérieurs de Kandinsky dans laquelle il utilise tous les éléments, en les enrichissant de son propre style. En 1936 et 1939, il peint ses deux dernières grandes compositions. La composition IX présente des diagonales puissantes et très contrastées qui donnent l'illusion d'un embryon dans le ventre de sa mère.  De petits carrés de couleur et des bandes colorées se détachent du fond noir dans Composition X , qui représente des fragments d'étoiles (ou filaments) dans des carrés bleus, tandis que des hiéroglyphes énigmatiques recouvrent une masse marron qui flotte sur la gauche. Dans l'œuvre de Kandinsky, certains éléments sont audacieusement évidents, tandis que d'autres sont plus subtils. Au fur et à mesure que l'on lit ses romans, ils se révèlent progressivement. Il voulait que l'âme des spectateurs entre en résonance avec les formes qu'il harmonisait et plaçait subtilement.

Le marché de l'art

 En 2012, une vente aux enchères chez Christie's, la maison internationale de vente aux enchères d'œuvres d'art de haut niveau, a vendu Studie für Improvisation 8 (Étude pour l'improvisation 8) de Kandinsky, une peinture représentant un homme brandissant un sabre dans un village arc-en-ciel pour 23 millions de dollars. Une collection de tableaux de maîtres anciens prêtés au Kunstmuseum de Winterthur, en Suisse, depuis 1960, a été vendue par la Fondation Volkart, la branche caritative de la société suisse de négoce de matières premières Volkart Brothers. Avant la vente record de l'artiste en 2010, son précédent record avait été établi en 1990, lorsque Sotheby's avait vendu aux enchères Fugue (1914) pour 20,9 millions de dollars.  Le 16 novembre 2016, la maison de vente aux enchères Christie's a vendu Rigide et courbé de Kandinsky, une grande peinture abstraite de 1935, pour 23,3 millions de dollars. Il s'agit du prix le plus élevé payé pour une œuvre de Kandinsky à ce jour.  Solomon R. Guggenheim a acheté le tableau directement à l'artiste en 1936, mais il n'a plus été exposé après 1949 et a été vendu aux enchères à un collectionneur privé en 1964.

L'art volé par les nazis

La famille Lewenstein a déposé en 2013 une demande de restitution de la Peinture aux maisons de Kandinsky, détenue par le Stedelijk Museum. En 2020, un comité néerlandais mis en place par le ministre de la culture a trouvé des failles dans le comportement du comité de restitution, provoquant un scandale au cours duquel deux des membres du comité, dont son président, ont démissionné. En 1939, un tribunal d'Amsterdam a décidé que le Stedelijk Museum pouvait conserver un tableau de la collection juive Lewenstein, malgré son retrait forcé par les nazis plus tôt dans l'année.  Cependant, en août 2021, le gouvernement de la ville d'Amsterdam a accepté de rendre le tableau à la famille Lewenstein.

Les tableaux et reproductions de peintures de Vassily Kandinsky