novembre 25, 2021 42 minutes de lecture

Nous classons ici les peintures les plus célèbres - du portrait de Van Gogh au chef-d'œuvre de Gustav Klimt.

Lorsque l'on classe les peintures les plus célèbres de tous les temps, il faut savoir que la peinture est un moyen d'expression très ancien, qui remonte à 40 000 ans, lorsque les premiers humains appliquaient de l'ocre et du charbon de bois sur les murs des grottes pour créer des images d'animaux ou de plantes.

Elle était présente dès la naissance de la pensée symbolique, précédant l'écriture d'environ 35 000 ans. 

Même à l'ère moderne, lorsque la photographie, le film et la technologie numérique ont été introduits, la peinture est restée un mode d'expression persistant, malgré les déclarations cycliques selon lesquelles elle était morte.

Il est impossible de savoir combien de peintures ont été créées au cours de milliers d'années, mais seulement qu'un pourcentage relativement faible d'entre elles peuvent être considérées comme des classiques intemporels devenus familiers au public; sans aucun doute produit par certains des artistes les plus célèbres de tous les temps. Cette affirmation peut sembler évidente, mais elle laisse ouverte la question de savoir quel mélange de talent, de génie et de circonstances conduit à la création d'un chef-d'œuvre. La réponse la plus simple est peut-être que si vous en voyez un, alors vous savez à quoi il ressemble, que ce soit dans l'un des nombreux musées de New York (le Metropolitan Museum, le Guggenheim, le MoMA et d'autres). 

Notre liste des meilleures peintures de tous les temps se compose d'œuvres provenant de musées du monde entier ou d'institutions situées dans d'autres parties du monde. Nous avons, bien sûr, notre propre opinion sur les meilleures tableaux et nous la présentons ici dans notre liste des 100 peintures les plus célèbres du monde.

Les peintures les plus célèbres

 

1. La Joconde, de Leonardo Da Vinci

Le portrait de Lisa Gherardini, épouse de Francesco del Giocondo, plus connue sous le nom de La Gioconda (La Joconde en français) ou Mona Lisa, est une œuvre de la Renaissance italienne de Léonard de Vinci. La Joconde a été achetée par le roi de France François Ier au début du XVIe siècle et est depuis lors la propriété de l'État français. C'est incontestablement le "joyau" des collections du musée du Louvre.

Le nom du tableau, La Gioconda , est dérivé de la thèse la plus largement acceptée concernant l'identité du modèle; la femme, nommée d'après Lisa Gherardini, qui était l'épouse de Francesco Bartolomeo de Giocondo, Mona Lisa. Le Musée du Louvre accepte le titre complet indiqué au début comme le titre original de l'œuvre ; bien qu'il ne reconnaisse pas l'identité du modèle, il considère cette information comme une simple hypothèse. 

Il s'agit d'une peinture à l'huile sur panneau de peuplier, de 77 × 53 cm, réalisée entre 1503 et 1519, et retouchée plusieurs fois par l'artiste. 

Elle est considérée comme l'exemple le plus réussi de sfumato, que Léonard a utilisé dans nombre de ses œuvres. Aujourd'hui, en raison de l'assombrissement du vernis, la coloration originale de la peinture n'est plus perceptible. Le cadre est entouré de plusieurs couches de protection, est maintenu à une température stable et est entouré de systèmes de sécurité. Il est constamment contrôlé pour détecter les signes de détérioration.

Les historiens ont déterminé que le modèle de la Joconde était une voisine de Léonard, que ses descendants se connaissaient peut-être et qu'elle était peut-être enceinte en raison de la façon dont ses mains sont cachées. Malgré les diverses hypothèses entourant l'œuvre d'art, les réponses fermes sont franchement insuffisantes, ce qui suscite davantage de curiosité chez les admirateurs du tableau.

La renommée de cette peinture repose en partie sur les techniques utilisées et sa beauté, mais aussi sur les mystères qui l'entourent. En outre, le vol dont elle a été victime en 1911, les reproductions réalisées, les nombreuses œuvres d'art qui se sont inspirées du tableau et les parodies existantes contribuent à faire de La Joconde l'un des tableaux les plus célèbres au monde.

2. La Nuit étoilée, de Vincent van Gogh

La nuit étoilée est un tableau du peintre post-impressionniste néerlandais Vincent van Gogh. Peint en juin 1889, il représente la vue de la chambre d'asile de Vincent van Gogh à Saint-Rémy-de-Provence, juste avant l'aube, avec l'ajout d'un village imaginaire. Il fait partie de la collection permanente du Musée d'art moderne de New York depuis 1941, après avoir été acquis grâce a Lillie P. Bliss. La Nuit étoilée, largement considérée comme le chef-d'œuvre de Van Gogh, est l'une des peintures les plus reconnues de l'histoire de la culture occidentale.

3. La jeune fille à la perle, de Johannes Vermeer

 La fille à la perle, également connue sous le nom de fille au turban, est l'un des chefs-d'œuvre du peintre néerlandais Johannes Vermeer. Il utilise une boucle d'oreille en perle comme point focal. Le tableau est actuellement exposé au musée Mauritshuis de La Haye.

4. La cène, de Léonard de Vinci

 La Cène est une peinture murale originale de Léonard de Vinci, réalisée entre 1495 et 1498. La Cène se trouve sur le mur sur lequel elle a été peinte à l'origine, dans le réfectoire du couvent dominicain de Santa Maria delle Grazie à Milan (Italie), un site classé au patrimoine mondial par l'Unesco en 1980. Léonard de Vinci a peint La Cène pour son mécène, le duc Ludovico Sforza de Milan. La peinture murale n'est pas une fresque traditionnelle, mais a été peinte à la détrempe et à l'huile sur deux couches de plâtre. Il mesure 460 cm de haut sur 880 cm de large. De nombreux experts et historiens de l'art considèrent la Cène de Léonard de Vinci comme l'une des plus grandes œuvres picturales du monde.

5. Guernica, de Pablo Picasso

Guernica est un tableau attribué à l'artiste espagnol Pablo Picasso, peint à Paris entre mai et juin 1937. Le titre du tableau fait allusion au bombardement de Guernica, qui a eu lieu le 26 avril 1937, pendant la guerre civile espagnole. Elle a été commandée par le directeur général des Beaux-Arts, Josep Renau, à la demande du gouvernement de la deuxième République espagnole, pour être exposée dans le pavillon espagnol lors de l'Exposition internationale de 1937 à Paris, afin de sensibiliser à la cause républicaine en pleine guerre civile espagnole. 

Dans les années 40, la dictature militaire du général Franco s'étant emparée de l'Espagne, Picasso confie le tableau au Museum of Modern Art de New York. Il a exprimé le souhait qu'il soit restitué à l'Espagne lorsque la république sera terminée. En 1981, l'œuvre arrive en Espagne. Elle a été exposée pour la première fois au public au Casón del Buen Retiro à Madrid, et est maintenant exposée en permanence au Musée Reina Sofía à Madrid.

Une controverse entoure les détails de sa signification littérale, car plusieurs figures sont symboliques et différentes personnes ont des opinions différentes sur la signification du tableau, mais c'est une œuvre de grande valeur artistique. Ce tableau est non seulement considéré comme l'une des œuvres d'art les plus importantes du XXe siècle, mais il est devenu un véritable symbole des terribles souffrances que la guerre inflige aux êtres humains.

L'historien Robert Hughes a qualifié le tableau Guernica de "dernière grande peinture historique". Il s'agit également de la dernière grande toile moderne à utiliser un thème politique pour sensibiliser le public, une tâche qui sera reprise par la photographie de guerre à la fin du siècle dernier.

6. La persistance de la mémoire, de Salvador Dali

"La persistance de la mémoire", ou "Montres molles" ou "Montres fondantes"), achevée par Salvador Dalí en 1931, est l'une de ses œuvres les plus célèbres. Elle a été réalisée avec la technique de l'huile sur toile, qui est de style surréaliste. Elle mesure 24 x 33 cm. L'œuvre a été présentée lors de la première exposition personnelle de Dalí à la Galerie Pierre Colle à Paris, du 3 au 15 juin 1931, puis lors d'une exposition à la galerie Julien Levy à New York. Elle se trouve au Musée d'art moderne de New York, où elle est arrivée en 1934.

7. La Ronde de nuit, de Rembrandt

La Ronde de nuit ou La Ronde de nuit est le nom du plus célèbre tableau de l'artiste néerlandais Rembrandt van Rijn, peint entre 1640 et 1642. C'est l'un des joyaux de l'exposition permanente du Rijksmuseum d'Amsterdam, spécialisé dans l'art néerlandais.

8. Le baiser, de Gustav Klimt

Le Baiser est un tableau du peintre autrichien Gustav Klimt. L'œuvre est une peinture à l'huile avec des feuilles d'or et d'étain sur toile. Elle a une dimension de 180 x 180 centimètres et a été créée entre 1907-08.

Cette œuvre, qui suit les canons du symbolisme, est une toile qui présente des motifs décoratifs et des mosaïques sur un fond doré. Elle a été assemblée et est exposée à la Österreichische Galerie Belvedere à Vienne. Normalement, les œuvres de Klimt ont fait scandale et ont été critiquées pour leur caractère "pornographique". Les premières œuvres font de Klimt un "enfant terrible" en raison de ses attitudes anti-autoritaires et anti-populistes envers l'art. "Si vous ne pouvez pas plaire à tout le monde avec vos œuvres, faites plaisir à quelques-uns", a-t-il écrit. Le Baiser a été accueilli avec enthousiasme et s'est rapidement vendu.

9. American Gothic, de Grant Wood

American Gothic est une peinture créée dans les années 1930 par Grant Wood. Le tableau représente un fermier tenant une fourche et une femme, interprétée par certains comme sa fille et par d'autres comme sa femme, devant une maison rurale de style gothique. C'est l'une des images les plus reconnues et les plus parodiées de l'art américain du XXe siècle.

Le bois représentait les rôles traditionnels des hommes et des femmes en représentant l'homme tenant un outil agricole symbolisant le dur labeur dans les champs, tandis que la femme porte un tablier, typique des travaux ménagers. On pense que Wood a modelé la peinture d'après sa sœur Nan (1900-1990) et son dentiste, le Dr Byron McKeeby (1867-1950) de Cedar Rapids, Iowa. Il a vu la maison depuis sa voiture à Eldon, dans l'Iowa, et s'est retrouvé à en dessiner les contours. Le style, frontal, hiératique et détaillé, s'inspire de l'art flamand du XVe siècle.

Le tableau est exposé à l'Art Institute of Chicago.

10. La Naissance de Vénus, de Sandro Botticceli

La Naissance de Vénus de Sandro Botticelli est un tableau, l'un des chefs-d'œuvre du maître florentin et du Quattrocento italien. Le tableau est exécuté à la détrempe sur toile et mesure 278,5 cm de large sur 172,5 cm de haut. Il est conservé à la Galerie des Offices à Florence, où la salle 10-14 est appelée celle de Botticelli.

Cette peinture était une œuvre révolutionnaire à son époque car elle présentait un nu sans aucune composante religieuse, ainsi qu'un thème mythologique issu de la culture gréco-romaine classique antérieure au christianisme. Le nouvel humanisme de la Renaissance était, du moins de la part des élites culturelles, un rejet de l'obscurantisme médiéval. Son interprétation iconographique est liée à l'Académie platonicienne, qui était parrainée par la famille Médicis et se développait dans les domaines de la philosophie, de la littérature et de l'art. La signification de l'œuvre est donc liée au néoplatonisme et à l'idéalisation de l'amour de Marsilio Ficino, qui subdivisait Vénus en deux versions complémentaires, la Vénus céleste et la Vénus terrestre, symbolisant l'amour spirituel et l'amour matériel.

11. Arrangement en gris et noir n°1, de James Abbott McNeill Whistler

Le tableau intitulé Arrangement en gris et noir n° 1, plus communément appelé Portrait de la mère de l'artiste, est une huile sur toile du peintre américain James McNeill Whistler datée de 1871. Le tableau mesure 144,3 × 162,4 cm, et est exposé au musée d'Orsay à Paris après son acquisition par l'État français en 1891.

12. Impression, soleil levant, de Claude Monet

Impression, soleil levant est un tableau du peintre français Claude Monet. Situé dans le musée Marmottan Monet à Paris. Peint vers 1872, ce tableau représente le port du Havre, où Monet a passé une partie de sa vie. Le tableau a été volé en 1985, mais a été retrouvé en 1990. Depuis 1991, le tableau est à nouveau exposé au public.

13. Les Ménines, de Diego Velázquez

Les ménines de Diego Velázquez (connu sous ce nom depuis le 19e siècle) ou La famille de Philippe IV est considéré comme l'une des œuvres d'art les plus importantes du Siècle d'or espagnol. La date d'achèvement du tableau, 1656, établie par le critique Antonio Palomino, correspond probablement à la dernière période stylistique de l'artiste. Il s'agit d'une grande peinture à l'huile sur une toile composée de trois bandes, chacune d'une couleur différente, cousues verticalement, où les personnages du premier plan sont grandeur nature. C'est l'un des tableaux les plus commentés et analysés dans le monde de l'art.

14. Les Demoiselles d'Avignon, de Pablo Picasso

Les Demoiselles d'Avignon est un tableau du peintre espagnol Pablo Picasso peint en 1907 et mesurant 243,9 x 233,7 cm. Il est conservée au Musée d'art moderne de New York.

Ce tableau, qui marque le début de la période africaine ou proto-cubisme de Picasso, est la référence clé pour parler du cubisme, dont l'artiste espagnol est le principal créateur et représentant du mouvement artistique. Picasso élimine tout le sublime de la tradition, rompant avec le réalisme, les canons de la profondeur spatiale et l'idéal existant du corps féminin : il réduit l'œuvre entière à un ensemble de plans angulaires sans fond ni perspective spatiale. Deux des visages, les plus cubistes des cinq, ressemblent à des masques dus à l'influence de l'art africain, dont les manifestations culturelles ont commencé à être connues en Europe à cette époque, tandis que les deux visages centraux s'apparentent davantage aux visages de primitifs ibériques.

15. Terrasse du café le soir, de Vincent van Gogh

La Terrasse du café la nuit (également connue sous le nom de Terrasse de la Place du Forum Café à Arles la nuit) est un tableau de l'artiste néerlandais Vincent van Gogh représentant l'atmosphère d'une terrasse. 

L'artiste Van Gogh a exprimé dans cette peinture ses nouvelles impressions du sud de la France. Le tableau représente un café dans la ville d'Arles, alors connu sous le nom de Café Terrace, puis rebaptisé Café Van Gogh.

Cette peinture est unique à Van Gogh par son utilisation de couleurs chaudes et la profondeur de la perspective. C'est la première peinture dans laquelle Vincent a utilisé un ciel étoilé comme toile de fond. Parmi les tableaux ultérieurs de Van Gogh figurent La nuit étoilée sur le Rhône et La nuit étoilée en 1889. 

C'est l'une des nombreuses peintures de cet artiste qui cherche à mettre en valeur l'illumination du ciel nocturne, imprégnant le paysage nocturne d'un sentiment de joie et de couleur.

16. Bal du moulin de la Galette, de Pierre-Auguste Renoir

L'une des œuvres les plus célèbres du peintre impressionniste Pierre-Auguste RenoirBal du Moulin de la Galette, est conservée au Musée d'Orsay à Paris.

Dans cette peinture, le peintre français représente une danse au Moulin de la Galette, une aire de pique-nique populaire dans le quartier parisien de Montmartre. La lumière se reflète sur les vêtements à travers les arbres. Au premier plan, en bas à droite, on voit des diagonales créées par des bancs et une table derrière laquelle on voit le dos de quatre amis du peintre. Au milieu de la foule se trouve un couple qui agit comme si toute la fête tournait autour d'eux. Sur l'un des bancs se trouvent une dame et une fille et sur un autre un homme et une femme qui semblent se disputer ou flirter. Le mouvement dans le tableau donne l'impression que les gens dansent. Ceci est dû à l'ondulation des têtes des personnes. Des natures mortes sont présentées, notamment un vase, des verres et une table.

17. Un dimanche après-midi à l'île de la Grande Jatte, de Georges Seurat

Dimanche après-midi sur l'île de la Grande Jatte est une peinture de 1884 de Georges Seurat, un exemple de pointillisme considéré par beaucoup comme l'une des peintures les plus pertinentes du 19ème siècle.

La Grande Jatte est située sur la Seine à Paris au nord de La Défense et au sud de la banlieue de Neuilly, divisée par le Pont-de-Levallois. Bien qu'il s'agisse autrefois d'un site industriel, il abrite depuis quelques années des jardins publics et un complexe résidentiel. En 1884, c'était un paysage pastoral loin du centre ville.

Seurat a travaillé sur ce tableau pendant deux ans, peignant avec des détails scrupuleux le paysage du parc. Il a retravaillé l'original à plusieurs reprises et a réalisé de nombreux croquis et dessins préliminaires. Il s'asseyait souvent dans les jardins et faisait de nombreuses esquisses des différentes figures, puis les révisait de temps en temps. Il a utilisé la couleur, la lumière et les formes avec beaucoup de soin. La taille du cadre est d'environ 2 x 3 m. Elle a été exposée pour la première fois lors de la huitième exposition collective du groupe des impressionnistes en 1886.

18. Les Époux Arnolfini, de Jan van Eyck

Le Portrait de Giovanni Arnolfini et de sa femme est un tableau du peintre flamand Jan van Eyck, achevé en 1434. Le portrait d'Arnolfini, daté de 1434, représente le riche marchand Giovanni Arnolfini et son épouse Giovanna Cenami, qui se sont installés et ont prospéré dans la ville de Bruges (aujourd'hui en Belgique) entre 1420 et 1435. Aujourd'hui encore, les historiens de l'art ne s'accordent pas sur l'image que présente le tableau. Une théorie de longue date, introduite en 1934 par Erwin Panofsky dans un essai, veut que le tableau corresponde au mariage secret des deux. De nombreuses interprétations du tableau ont été proposées, et de nombreux historiens de l'art estiment aujourd'hui que la théorie de Panofsky est largement indéfendable.

Le tableau se trouve à la National Gallery de Londres depuis 1842, bien qu'il ait mystérieusement disparu en 1813 du palais royal de Madrid, en Espagne. Le "Portrait d'Arnolfini" est considéré comme l'une des œuvres les plus remarquables de van Eyck. Il s'agit de l'un des plus anciens portraits non hagiographiques conservés, et en même temps d'une scène de genre instructive. Le couple est debout devant son armoire ; le mari bénit sa femme, qui lui tend la main droite, tout en posant sa main gauche sur son ventre. Les poses des personnages sont théâtrales et cérémonielles, presque hiératiques ; certains historiens de l'art voient de la comique dans ces poses flegmatiques, bien que l'opinion la plus répandue voit dans ce tableau l'image d'une cérémonie de mariage.

19. La Dame à l’hermine, de Léonard de Vinci

La Dame à l'hermine de Léonard de Vinci a été peinte en 1490. La femme du tableau serait Cecilia Gallerani, qui a été peinte alors qu'elle était la maîtresse de Ludovico Sforza, duc de Milan, et que Léonard était à son service. Ce tableau est l'un des quatre portraits de femmes peints par Léonard. Les autres sont La Gioconda, le portrait de Ginevra de Benci et La Belle Ferronière.

Le prince Adam Jerzy Czartoryski a acquis le tableau à la fin du XVIIIe siècle et est depuis resté en possession de sa famille, qui l'a exposé au musée Czartoryski de Cracovie depuis 1876. Depuis décembre 2016, suite à son acquisition par la Pologne auprès des héritiers de la famille Czartoryski, l'œuvre est la propriété du gouvernement polonais.

En raison de rénovations au musée Czartoryski, le tableau a été exposé au château de Wawel de mai 2012 au 30 avril 2017. Après qu'il soit devenu propriété de l'État, ce tableau a été exposé au Musée national de Cracovie du 19 mai 2017 au 20 décembre 2019, date à laquelle des travaux ont été réalisés au Musée Czartoryski pour rendre au tableau son état d'origine.

20. L'École d'Athènes, de Raphaël

Peint par l'artiste italien de la Renaissance Raphaël Sanzio, l'École d'Athènes est l'un des tableaux les plus remarquables. L'œuvre a été commandée en 1509 et peinte entre 1510 et 1512 dans le cadre d'un projet visant à décorer de fresques les salles aujourd'hui connues sous le nom de chambres de Raphaël, situées dans le palais apostolique de la Cité du Vatican. 

La Stanza della Segnatura a été la première salle du palais du Vatican à être décorée. L'École d'Athènes, qui représente la philosophie, est probablement le troisième tableau à y avoir été achevé, après La Disputation sur le site de l'École d'Athènes. Le tableau est remarquable pour la précision de sa projection en perspective, que Raphaël a apprise de Léonard de Vinci.

21. Le Déjeuner sur l'herbe, de Édouard Manet

Le Déjeuner sur l'herbe d'Édouard Manet, qui s'intitulait à l'origine (Le Bain), est une grande peinture à l'huile sur toile réalisée en 1862-63. Elle est conservée au Musée d'Orsay à Paris. 

 La juxtaposition d'une femme nue et d'hommes entièrement vêtus a été considérée comme scandaleuse lorsque Manet a exposé le tableau au Salon des Refusés en 1863. Cette toile était la plus irritante et la plus controversée de cette exposition d'œuvres rejetées. Bien que certains aient considéré comme vulgaire le fait qu'une femme se déshabille en présence de jeunes hommes habillés, de nombreux critiques ont rejeté la modernité de son style, d'un point de vue chromatique et compositionnel.

22. L'autoportrait de Vincent Van Gogh

L'autoportrait de 1889 est une peinture à l'huile de l'artiste post-impressionniste Vincent van Gogh. Ce tableau, qui est sans doute le dernier autoportrait de van Gogh et le plus connu de l'artiste, a été peint en septembre 1889, peu avant que le peintre ne quitte Saint-Rémy-de-Provence, dans le sud-est de la France.

Le tableau est exposé au Musée d'Orsay à Paris.

23. La Liberté guidant le peuple, Eugène Delacroix

La Liberté guidant le peuple est un tableau d'Eugène Delacroix datant de 1830 qui est considéré comme l'un des plus célèbres de l'histoire et qui est toujours conservé au musée du Louvre. 

On pense que la toile représente la révolution du 28 juillet 1830, lorsque les Parisiens en colère se sont rebellés contre le roi Charles X. Le dirigeant du pays a aboli le parlement par décret et entend restreindre la liberté de la presse. Les émeutes se sont transformées en une révolte qui a conduit à un soulèvement des citoyens français. Il n'y avait pas de leader individuel coordonnant la révolution ; l'intérêt pour la révolte était basé sur la classe, puisque les membres de la bourgeoisie en étaient les plus grands bénéficiaires. Cependant, dans le tableau de Delacroix, la Liberté est représentée comme une déesse guidant le peuple, qui est dépeint comme multiforme - c'est-à-dire représentant les membres des classes sociales moyennes et inférieures. Dans ce passage, la Liberté est allégorisée comme une figure de grande beauté.

24. Le Café de nuit, de Vincent van Gogh

Le Café de nuit est l'un des tableaux les plus célèbres du peintre néerlandais Vincent van Gogh. Achevé en 1888, il est conservé dans la galerie d'art de l'université de Yale. 

Le tableau représente le Café de l'Alcazar, un café situé près de la place Lamartine à Arles où van Gogh avait l'habitude de déjeuner ou de passer ses soirées. Le bar appartenant à Madame Ginoux a été un sujet populaire des peintures de Van Gogh, dont L'Arlésienne au Metropolitan Museum of Art. Le tableau, l'une des œuvres les plus réussies de van Gogh, a été acheté par le riche marchand de textiles russe Ivan Morozov après la mort de l'artiste. Après divers périples entre collectionneurs, le tableau est vendu en 1933 par les autorités soviétiques à une galerie de Berlin, puis atterrit dans une galerie new-yorkaise appartenant au magnat américain Stephen Clark. Après la mort de ce dernier en 1961, l'œuvre a été acceptée par la galerie d'art de l'université de Yale.

25. Nighthawks, d'Edward Hopper

Nighthawks (1942) est un tableau du peintre américain Edward Hopper qui montre quatre personnes dans un diner urbain la nuit. Nighthawks est non seulement l'œuvre la plus connue de Hopper, mais aussi l'une des plus reconnaissables de l'art américain. Elle fait actuellement partie de la collection de l'Art Institute of Chicago.

"Nighthawk" peut faire référence au terme "night owl", utilisé pour décrire une personne curieuse ou un travailleur de nuit. Le restaurant du tableau de Hopper est inspiré d'un restaurant de Greenwich Village, son quartier d'origine à Manhattan. Après l'attaque surprise de Pearl Harbor, alors que l'abattement et l'inquiétude étaient grands dans tout le pays, Hopper a commencé à le peindre. La rue est vide, mais à l'intérieur du restaurant, trois clients restent concentrés. Ils ne se parlent pas et ne lèvent pas les yeux de leur assiette. Deux des personnages à l'arrière-plan forment un couple ; le troisième est assis, dos à l'observateur. Le seul barman du bar semble regarder dehors, ignorant les clients ; son sourire forcé ne révèle rien de son âge.

26. Le trois mai, de Francisco de Goya

Le tableau intitulé Le 3 mai, du peintre espagnol Francisco de Goya, a été achevé en 1814. Il est conservé au musée du Prado (Madrid, Espagne). L'intention de Goya était de documenter la lutte du peuple espagnol contre la domination française lors du soulèvement du 2 mai, qui a précédé le début de la guerre d'indépendance espagnole.

27. Portrait d'Adele Bloch-Bauer I, de Gustav Klimt

Le Portrait d'Adele Bloch-Bauer I de Klimt, également connu sous le nom de La Dame en or est un tableau achevé en 1907. Selon des articles de presse, le 26 juin 2006, Ronald Lauder, propriétaire de la Neue Galerie à New York, a acheté le tableau pour 135 millions de dollars, ce qui en faisait à l'époque le deuxième tableau le plus précieux au monde. L'œuvre est exposée à la galerie depuis juillet 2006.

28. Le Fils de l'homme, de René Magritte

 Le Fils de l'Homme, peint par le surréaliste belge René Magritte en 1964, est son œuvre la plus connue.

Magritte a peint "Le fils de l'homme" comme un autoportrait. Le tableau se compose de l'homme en manteau, cravate rouge et chapeau melon, debout devant le mur. À l'horizon, on peut voir la mer et un ciel nuageux. Le visage de l'homme est caché derrière une pomme verte flottante. Malgré cela, on peut voir les yeux de l'homme regarder par-dessus le bord de la pomme.

29. Le Déjeuner des canotiers, de Pierre-Auguste Renoir

 Le déjeuner des canotiers 1881 est un tableau de l'impressionniste français Pierre-Auguste Renoir, conservé à la Phillips Collection de Washington. 

Le tableau représente un groupe d'amis de Renoir se détendant sur une terrasse du restaurant Maison Fournaise à Chatou, en France. Le tableau représente une scène de joie populaire, qui ressemble à l'atmosphère d'une autre œuvre de l'artiste, Danse au Moulin de la Galette (1876). De plus, Renoir avait déjà représenté le sujet et le lieu de l'aviron dans une autre œuvre, Déjeuner chez Fournaise (1875).

30. No. 5, 1948, de Jackson Pollock

Le tableau No. 5, 1948 a été créé par Jackson Pollock, un peintre américain connu pour avoir travaillé au sein du mouvement expressionniste abstrait. 

En mai 2006, un acheteur anonyme a acheté le tableau pour 140 millions de dollars (166,3 millions de dollars en valeur actuelle), un nouveau record pour le prix le plus élevé payé pour un tableau, qui ne sera pas éclipsé avant avril 2011.

31. Le Printemps, de Sandro Botticelli

L'Allégorie du printemps (en italien, Allegoria della primavera) de Sandro Botticelli, plus connue simplement sous le nom de Printemps, est l'un des chefs-d'œuvre de la Renaissance italienne. La peinture est réalisée sur panneau et mesure 203 cm de haut sur 314 cm de large. Le tableau a été réalisé entre 1477 et 1482. Il est conservé à la Galerie des Offices, Florence (salle 10-14, dite "de Botticelli", Inv. 1890 n. 8360).

32. Le Vieux Guitariste aveugle, Pablo Picasso

Le Vieux Guitariste est une peinture à l'huile représentant un guitariste aveugle de la ville espagnole de Malaga, réalisée par le peintre cubiste Pablo Picasso. Ce tableau, peint en 1903 selon la technique de l'huile sur toile, mesure 121 cm de haut sur 92 cm de large. Il est actuellement à l'Art Institute of Chicago, aux États-Unis. C'est l'une des peintures les plus représentatives de la période bleue de Picasso.

33. Le Christ dans la tempête sur la mer de Galilée, Rembrandt

La tempête sur la mer de Galilée de Rembrandt, peinte vers 1633, est une huile sur toile exposée au Isabella Stewart Gardner Museum de Boston, Massachusetts, États-Unis. 

Le tableau montre l'un des premiers miracles de Jésus, notamment celui raconté dans l'Évangile de Saint-Marc, au chapitre 4, lorsque Jésus a calmé les eaux lors d'une tempête sur le lac de Galilée. Il s'agit de la seule peinture marine du brillant peintre néerlandais. Dans le tableau, Rembrandt se représente comme l'une des quatorze personnes présentes dans le bateau, notamment celle qui tient la corde attachée au mât et qui regarde vers le spectateur.

34. Le Jardin des délices, de Jérôme Bosch

Le Jardin des délices terrestres de Jérôme Bosch est l'une des œuvres les plus célèbres du peintre néerlandais. Le tableau est composé d'un panneau central - 220 cm × 195 cm - et de deux panneaux latéraux de 220 cm × 97 cm chacun, qui peuvent être fermés pour protéger la pièce centrale. 

Il s'agit d'une œuvre au contenu symbolique, à propos de laquelle diverses interprétations ont été proposées, comme La charrette de foin ou la Table des péchés capitaux, toutes œuvres acquises par le roi Philippe II d'Espagne, grand admirateur du peintre, et conservées un certain temps dans le palais de la Couronne.

Il obéit à un objectif moralisateur et satirique qui en a fait un livre populaire dès le début, comme en témoigne l'apparition précoce de copistes et d'imitateurs. 

Ce tableau est considéré comme l'une des œuvres les plus mystérieuses et les plus captivantes de l'histoire de l'art. Il se trouve dans la collection de l'exposition permanente du musée du Prado à Madrid, où il a été déposé comme partie du patrimoine national en 1939.

35. Salvator Mundi, de Léonard de Vinci

Le Salvator Mundi est un tableau attribué à Léonard de Vinci, daté d'environ 1500. Le tableau représente Jésus-Christ en tant que Salvator Mundi ("Le Christ, sauveur du monde"). 

Ce tableau est connu sous le nom du Coq, d'après le nom d'un ancien propriétaire, et a également été attribué à Bernardino Luini et Giovanni Antonio Boltraffio. Le tableau montre le Christ, vêtu d'une tenue Renaissance, donnant la bénédiction de la main droite tout en tenant une sphère de roche cristalline dans la main gauche, une image représentant le rôle du Christ en tant que sauveur du monde et maître du cosmos. On connaît une vingtaine d'autres versions de cette œuvre, qui ont été réalisées par des étudiants et des disciples de Léonard. 

36. Les iris, de Vincent Van Gogh

Les iris est une peinture sur toile (71 x 93 cm) réalisée en mai 1889 par Vincent Van Gogh. Il s'agit de l'une des nombreuses peintures et gravures de lys créées du vivant de l'artiste. En 1987, le tableau a été vendu pour 53 900 000 dollars, le montant le plus élevé jamais payé pour un tableau.

Irises a été peint par Vincent van Gogh alors qu'il vivait à l'asile du monastère de Saint-Paul-de-Mausole à Saint-Rémy-de-Provence, en France, au cours de la dernière année qui a précédé son départ.

37. Le Radeau de La Méduse, de Théodore Géricault

Le Radeau de la Méduse est une peinture à l'huile réalisée par le peintre et lithographe romantique français Théodore Géricault entre 1818 et 1819. L'auteur a terminé l'œuvre avant son trentième anniversaire, et elle est devenue une icône du romantisme français. Le tableau (491 cm × 716 cm), achevé en 1819 mais exposé publiquement seulement en 1820, représente le naufrage de la frégate française Méduse, qui s'est échouée au large des côtes mauritaniennes le 2 juillet 1816. Au moins 150 personnes ont été laissées à la dérive sur un radeau construit à la hâte. Après 13 jours, les équipes de sauvetage n'ont sauvé que 15 d'entre elles. Les survivants du naufrage ont souffert de famine, de déshydratation, de cannibalisme et de folie. L'événement est devenu un scandale international parce qu'il était considéré comme ayant été causé par l'incompétence du capitaine français agissant sous l'autorité de la monarchie française nouvellement restaurée de Louis XVIII.

38. Les Ambassadeurs, de Hans Holbein le Jeune

Les ambassadeurs - également connus sous le nom de Jean de Dinteville et Georges de Selve - est un tableau de Hans Holbein le Jeune, qui se trouve actuellement à la National Gallery de Londres. C'est un chef-d'œuvre du peintre et de la peinture en tant que forme d'art.

Triplement importante pour ses résonances historiques, sa richesse symbolique et son excellence plastique, elle comporte au premier plan un objet rare et quelque peu mystérieux. 

Un historien de l'art, Jurgis Baltrusaitis, a découvert au XXe siècle que cette forme occupant le premier plan du tableau est un anamorphisme de crâne humain. Ce tableau est une vanité.

39. Christina's World, de Andrew Wyeth

"Christina's World" est le tableau le plus populaire d'Andrew Wyeth et, selon Ian Chilvers, l'un des plus connus de la peinture américaine du XXe siècle. Peint à la détrempe en 1948, ce tableau est actuellement exposé au Museum of Modern Art de New York. Son titre a été inspiré par Christina Olson, une femme qui est devenue paralysée des jambes. Bien qu'elle ait été un modèle occasionnel pour l'artiste, certaines sources spéculent que le modèle de cette peinture était la femme de Wyeth, Betsy.

40. Les Mangeurs de pommes de terre, de Vincent van Gogh

 Le tableau Les mangeurs de pommes de terre (en néerlandais, De Aardappeleters) a été réalisé par Vincent van Gogh en avril 1885 à Nuenen, aux Pays-Bas. Elle est exposée au musée Van Gogh d'Amsterdam. La version conservée au musée Kröller-Müller d'Otterlo est une esquisse préliminaire à l'huile. L'artiste a ensuite réalisé une œuvre beaucoup plus grande.

41. Le Jardin de l'artiste à Giverny , Claude Monet

Le jardin de l'artiste à Giverny est une huile sur toile de Claude Monet réalisée en 1900 et conservée au musée d'Orsay, à Paris. Ce tableau est l'une des nombreuses œuvres créées par l'artiste dans son jardin de Giverny au cours des trente dernières années de sa vie. Le tableau montre des rangées d'iris disposées en diagonale sur le plan du tableau, dans différentes nuances de violet et de rose. Les fleurs se trouvent sous des arbres dont les branches laissent passer la lumière rasante, ce qui modifie le ton de leurs couleurs. Au-delà des arbres, on peut voir la maison de Monet.

42. Saturne dévorant un de ses fils, Francisco de Goya

 Le Saturne dévorant son fils de Francisco de Goya est l'une des huiles sur plâtre qui décoraient les murs de la maison qu'il a acquise en 1819, connue sous le nom de Quinta del Sordo. L'œuvre appartient donc à la série connue sous le nom de "peintures noires".

Saturno occupait une place sur le côté est du mur, en face de l'entrée de la salle à manger du premier étage de la Quinta del Sordo.

Elle représente le Titan Cronus, associé au dieu grec Saturne dans la mythologie romaine, en train de dévorer l'un de ses enfants. Cette figure était une allégorie du passage du temps, puisque Cronus mangeait les nouveau-nés de Rhéa, son épouse, de peur que l'un d'eux ne le détrône un jour.

43. La Bohémienne endormie, d'Henri Rousseau

La gitane endormie (huile sur toile, 1897) d'Henri Rousseau (1844-1910) est un exemple d'art naïf. Il s'agit d'une image fantaisiste d'un lion se tenant au-dessus d'une femme endormie par une nuit de lune. 

Rousseau a exposé le tableau pour la première fois au 13e Salon des Indépendants. Il a tenté de vendre le tableau au maire de sa ville natale, Laval, mais sans succès. Au lieu de cela, il est entré dans la collection privée d'un marchand de charbon parisien au milieu des années 1800, où il est resté jusqu'en 1924, lorsque le critique d'art Louis Vauxcelles l'a vu. Le marchand d'art parisien Daniel-Henry Kahnweiler a acheté le tableau en 1924, mais des doutes subsistaient quant à l'authenticité du tableau. Le tableau a été acquis par l'historien de l'art Alfred H. Barr Jr. afin de l'ajouter à la collection du Musée d'art moderne de New York.

44. Boîtes de soupe Campbell, d'Andy Warhol

Campbell's Soup Cans , également connue sous le nom de 32 Boîtes de soupe Campbell , est une série de 32 sérigraphies de l'artiste américain Andy Warhol.

Le tableau Campbell's Soup Cans se compose de trente-deux toiles, chacune mesurant 50,8 cm de haut sur 40,6 cm de large (20 x 16 pouces) et comportant la peinture d'une boîte de soupe Campbell's. À cette époque, l'entreprise proposait chacune des variétés de soupe en conserve. Les peintures elles-mêmes ont été réalisées par un procédé de sérigraphie semi-mécanisé. La promotion de la culture populaire par Campbell's Soup Cans a contribué à la reconnaissance du pop art comme mouvement artistique grand public.

45. Olympia, d'Édouard Manet

Olympia est un tableau de 1863 du peintre français Édouard Manet. Le tableau mesure 130,5 cm de haut et 190 cm de large. Manet a commencé cette œuvre en 1863 pour l'exposer au Salon des Refusés de la même année. Cependant, l'œuvre n'est exposée en public qu'en 1865, au Salon de Paris, où elle fait scandale car si le public et les critiques acceptent les figures nues dans les œuvres mythologiques, il n'en va pas de même lorsqu'il s'agit d'un nu de style réaliste. 

La pose du modèle rappelle les œuvres du Titien (1485-1576), de Velázquez, de Goya et de Jean Auguste Dominique Ingres. Le nom du tableau n'a pas été donné par son créateur - c'est Charles Baudelaire qui l'a nommé.

46. June flamboyante, de Frederic Leighton

 June Flamboyante est une peinture à l'huile de Lord Frederic Leighton. Elle a été réalisée en 1895. Peinte sur une toile à l'huile sur toile de 47" x 47", elle est largement considérée comme le chef-d'œuvre de Leighton, montrant sa nature classique. On pense que la femme dans le tableau est une référence aux figures endormies que les Grecs peignaient souvent, connues collectivement sous le nom de Vénus. Dorothy Dene est présumée avoir été une amante de l'auteur de l'œuvre, bien que rien ne soit confirmé.

June Flamboyante a été vendu aux enchères dans les années 1960, à une époque où les peintures de l'ère victorienne étaient difficiles à vendre, et il n'a pas atteint son prix de réserve minimum de 140 dollars. La pièce a rapidement été acquise par le Museo de Arte de Ponce, à Porto Rico, qui la possède toujours.

47. L'Art de la peinture, de Johannes Vermeer

L'art de la peinture (allégorie de la peinture) est une œuvre célèbre du peintre néerlandais Johannes Vermeer, qui l'a peinte peu après 1666. Il est également connu sous le titre L'atelier de l'artiste. Le tableau mesure 100 cm sur 120 cm (120 cm sur 100 cm), ce qui en fait la troisième plus grande œuvre de la production connue de cet artiste. Elle est en possession du Musée d'histoire de l'art de Vienne, en Autriche. Le musée a gardé la pièce en exposition depuis qu'il l'a reçue du gouvernement autrichien en 1946.

De nombreux experts en art pensent que ce tableau est une allégorie de la peinture, d'où son titre alternatif. C'est l'une des œuvres les plus compliquées de Vermeer et, selon les critiques, l'une des meilleures compositions du peintre, ce qui indique qu'il y a travaillé pendant de nombreuses années. On pense généralement qu'il s'agit d'un autoportrait de dos. Une muse a été identifiée comme étant la fille du peintre, Maria Vermeer. 

Ce tableau est l'un des préférés de Vermeer, et un bel exemple du style de peinture optique. Créé à une époque où la photographie n'avait pas encore été inventée, le tableau offre une représentation étonnamment réaliste de la scène, puisqu'il est supposé être un échantillon de l'utilisation de la camera obscura.

48. Le Champ de Coquelicots près d'Argenteuil, Claude Monet

L'impressionniste français Claude Monet a peint Le champ de coquelicots en 1873, à son retour du Royaume-Uni (en 1871) où il s'est installé à Argenteuil avec sa famille. À cette époque de sa vie, le peintre trouve un grand épanouissement dans son art malgré la mauvaise santé de sa femme.

49. Les Noces de Cana, de Paul Véronèse

 Les Noces de Cana est l'un des tableaux les plus célèbres de l'œuvre du peintre italien Paolo Véronèse. Il s'agit d'une peinture à l'huile sur toile qui a été créée entre 1562 et 1563. Il s'agit d'une œuvre colossale, mesurant 6,69 x 9,90 m. À l'origine, ce tableau se trouvait dans le réfectoire (ou salle à manger) du monastère de San Giorgio à Venise. Napoléon a décidé de transférer le tableau en France, où il est actuellement conservé au musée du Louvre, en face de la Joconde de Léonard de Vinci. 

50. La Promenade, de Claude Monet

Le tableau de Monet représentant sa femme et son fils se promenant dans un champ, Femme à l'ombrelle - Madame Monet et son fils, parfois appelé La promenade, a été réalisé en 1875. L'œuvre impressionniste, qui capture un moment de promenade par une journée d'été venteuse, représente sa femme Camille Monet et leur fils Jean Monet entre 1871 et 1877, alors qu'ils vivaient à Argenteuil.

51. La Classe de danse, d'Edgar Degas

La classe de danse ou la classe de ballet (1873-1876), est un tableau de 85,5 x 75 centimètres du peintre impressionniste français Edgar Degas. Cette peinture montre les danseurs de l'Opéra de Paris, attendant l'évaluation de leur maître, Jules Perrot (1810-1892). En 1911, le comte Isaac de Camondo, grand collectionneur d'art impressionniste, a fait don du tableau au musée du Louvre. Le tableau est conservé au musée d'Orsay à Paris depuis 1986. Une variante du tableau est exposée à New York, au Metropolitan Museum of Art.

52. Nu descendant un escalier (N°2), de Marcel Duchamp

Nu descendant un escalier n°2 est une peinture de Marcel Duchamp datant de 1912. L'œuvre est un classique moderniste et est devenue l'une des œuvres les plus célèbres de son temps. Lors de sa première exposition, au Salon des Indépendants de Paris, il est rejeté par les cubistes et fait grand bruit lorsqu'il est exposé à l'Armory Show de 1913 à New York. L'œuvre est désormais exposée en permanence au Philadelphia Museum of Art, dans la collection Louis et Walter Arensberg.

53. Le Désespéré, de Gustave Courbet

 L'homme désespéré (également connu sous le nom de Le Désespéré) est un autoportrait à l'huile sur toile de 1843-1845 de Gustave Courbet, réalisé au début de son séjour à Paris. Le tableau est aujourd'hui la propriété du Conseil Investissement Art BNP Paribas mais a été exposé au Musée d'Orsay lors de l'exposition Courbet de 2007.

Dans les années 1840, Courbet peint une série de portraits - de ses amis, de ses clients et de lui-même. Il passe des heures au Louvre à copier des œuvres de José de Ribera, Zurbaran, Velasquez et Rembrandt, qui commencent à influencer son propre style de peinture. Pour cette œuvre, il a rompu avec son format horizontal traditionnel. Attaché au Désespéré, il l'emmène avec lui lorsqu'il s'exile en Suisse en 1873. Quelques années plus tard, dans sa description de l'atelier de Courbet, le médecin Paul Colin décrit un tableau montrant "l'artiste avec une expression désespérée", et le titre est donné comme "Désespoir".

54. Les Deux Fridas, de Frida Kahlo

 Les deux Fridas est une peinture à l'huile de l'artiste mexicaine Frida Kahlo. Ce tableau était la première œuvre de grande envergure de Kahlo et est considéré comme l'une de ses peintures les plus remarquables. Il s'agit d'un double autoportrait, représentant Kahlo assise à côté d'elle-même. L'une porte une robe blanche traditionnelle de style victorien européen, tandis que l'autre porte une robe traditionnelle tehuana. Le tableau est conservé au Musée d'art moderne de Mexico.

55. L'Origine du monde, de Gustave Courbet 

Le tableau L'origine du monde, un nu réalisé par le réaliste Gustave Courbet en 1866, est source de controverse en raison de son sujet. Pendant de nombreuses années, son existence a été presque entièrement cachée. Il a été transféré à l'État français en 1981, mais il est resté en dépôt jusqu'en 1995. Depuis lors, le tableau est exposé au musée d'Orsay à Paris.

56. La Nuit étoilée sur le Rhône, de Vincent van Gogh

La Nuit étoilée sur le Rhône (septembre 1888) est une peinture à l'huile de l'artiste néerlandais Vincent van Gogh représentant la ville d'Arles la nuit. Il a été peint à deux minutes de la Maison jaune de la place Lamartine, que Van Gogh louait à l'époque. Le ciel nocturne et les effets de la lumière la nuit sont des thèmes majeurs de certains de ses tableaux les plus célèbres. La Terrasse du café la nuit (1888) et La nuit étoilée (1902) comptent parmi les œuvres les plus célèbres de van Gogh.

57. La Création d'Adam, de Michel-Ange

La fresque de la création d'Adam est peinte sur la voûte de la chapelle Sixtine et a été réalisée par Michel-Ange vers 1511. Elle illustre l'une des neuf scènes de la Genèse exposées dans la chapelle Sixtine, dans laquelle Dieu donne la vie à Adam, le premier homme. Il s'agit du quatrième panneau représentant les épisodes de la Genèse sur le plafond de la chapelle Sixtine et fut l'un des derniers à être achevé. Aujourd'hui, c'est l'une des œuvres d'art les plus connues et appréciées au monde.

58. Le cri, de Edvard Munch

 Le Cri est le titre de quatre tableaux de l'artiste norvégien Edvard Munch (1863-1944). La version la plus célèbre du tableau se trouve à la Galerie nationale de Norvège et a été achevée en 1893. Il existe deux autres versions du tableau au Musée d'art Munch, également à Oslo. La quatrième version se trouve dans une collection privée. 

59. Les Nymphéas, de Claude Monet

Les nymphéas est un cycle de peintures à l'huile exécuté par le peintre impressionniste Monet, qui a créé une série de nénuphars (avec environ 250 exemples) qui a fini par être connue sous le nom des nymphéas. Ce sont des représentations du jardin de Giverny, où Monet s'est installé avec sa famille en 1890.

60. Chiens jouant au poker, de Cassius Marcellus Coolidge

 La série de peintures Dogs Playing Poker de l'Américain Cassius Marcellus Coolidge représente des chiens jouant au poker. Les chiens jouant au poker font référence collectivement à une peinture de 1894, à une série de seize peintures à l'huile de 1903 commandée par Brown & Bigelow pour faire la publicité des cigares, et à une peinture de 1910. Dix-huit tableaux de la série globale présentent des chiens, mais les onze dans lesquels les chiens sont assis autour d'une table à cartes sont devenus connus aux États-Unis comme des exemples d'art kitsch dans la décoration intérieure.

61. La Maja nue, de Francisco de Goya

La Maja nue est l'un des tableaux les plus célèbres de Francisco de Goya. Le tableau est une œuvre commandée, antérieure à 1800. L'œuvre a été créée quelque temps avant la première référence documentée au tableau, en 1790. Le tableau a ensuite formé une paire avec La Maja vêtue, datée entre 1800 et 1808 - probablement à la demande de Manuel Godoy, car il est établi qu'ils faisaient partie d'un cabinet dans sa maison.

62. La Grande Odalisque, de Jean Auguste Dominique Ingres

 Le tableau orientaliste La Grande Odalisque, peint en 1814 par Dominique Ingres, représente une femme nue. Il s'agit d'une peinture à l'huile mesurant 91 centimètres de haut et 162 centimètres de large. Elle est actuellement exposée au Musée du Louvre à Paris, en France.

Cette peinture a été exposée au Salon de Paris de 1819. Il avait été commandé par Caroline, sœur de Napoléon et reine de Naples

63. Le Voyageur contemplant une mer de nuages, de Caspar David Friedrich

Le tableau de Friedrich, Le promeneur sur la mer de nuages (en allemand, Der Wanderer über dem Nebelmeer), est souvent considéré comme un chef-d'œuvre romantique. C'est une peinture qui date de 1818. Il s'agit d'une peinture à l'huile qui mesure 74,8 centimètres de largeur sur 94,8 centimètres de hauteur. Elle est actuellement conservée au musée d'art de la Kunsthalle de Hambourg, en Allemagne. 

Le tableau représente un voyageur au sommet d'une haute montagne, regardant une mer de nuages en contrebas. 

64. La Chute d'Icare, de Pieter Brueghel l'Ancien

Le Paysage avec la chute d'Icare est un tableau que l'on a longtemps cru être l'œuvre de Pieter Brueghel l'Ancien, mais après un examen plus approfondi en 1996, certains historiens de l'art estiment qu'il y a très peu de chances qu'il soit réellement l'auteur de ce tableau. Il s'agit probablement d'une copie d'un original de Brueghel qui n'existe plus.

65. les 3 musiciens, de Pablo Picasso

Trois musiciens est le titre de deux tableaux de collage similaires de Pablo Picasso. Les deux tableaux ont été achevés en 1921 à Fontainebleau, près de Paris, en France, et illustrent le style cubiste synthétique ; les aplats de couleur et la "composition complexe en forme de puzzle" font écho aux arrangements de papier découpé avec lesquels les artistes de l'époque ont travaillé. Ces tableaux représentent chacun trois musiciens portant des masques dans la tradition de la Commedie de l'art.

66. Le Triomphe de Galatée, de Agostino Chigi

La fresque Triomphe de Galatée de Raphaël a été peinte entre 1510 et 1511 dans la Villa Farnesina, dans le quartier du Trastevere à Rome. Dans cette œuvre, la néréide Galatée occupe le centre, entourée de tritons, néréides et autres créatures marines. Des cupidons célestes leur tirent des flèches, les transportant de manière très dynamique et contrastée vers la jouissance sensuelle. Galatée adopte une pose serpentine, mettant en valeur ses cheveux blonds ondulant au vent et son manteau rouge pompéien, qui relie le tableau à celui de l'Antiquité. Il convient également de noter le cupidon de gauche, qui, calmement, réserve ses fléchettes pour une meilleure situation.

67. Tour de Babel, de Pieter Brueghel l'Ancien

La Bible mentionne une tour appelée la tour de Babel. Cette histoire a pour but d'expliquer pourquoi les peuples du monde parlent des langues différentes.

 La tour de Babel est un récit biblique tiré de la Genèse, dont l'auteur est traditionnellement attribué à Moïse. Selon la Bible, l'humanité a failli disparaître après qu'un déluge a détruit la terre, mais les eaux ont été miraculeusement retenues par un grand navire appelé l'Arche de Noé, dans lequel Noé et sept membres de sa famille ont survécu. Les seules personnes restées sur Terre - les descendants de Noé - se sont rendues dans la plaine de Senar (Babel), parlant tous la même langue, et ont décidé de construire une tour si haute qu'elle atteindrait le ciel. Après avoir observé la tour, le dieu de Noé (Yahvé) décide que si les humains doivent rester sur terre, ils doivent être séparés en groupes qui développeront des langues différentes.

Selon les "opinions extra-bibliques" qui soutiennent le point de vue traditionnel, la tour a été construite au cas où une autre inondation se produirait - le but des chambres intérieures étant de permettre aux gens de monter dans la tour et d'atteindre un endroit où l'eau ne pourrait pas arriver.

67. Dance, de Henri Matisse

Le tableau "La danse" d'Henri Matisse est exposé au musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, en Russie. Le tableau est une huile sur toile et mesure 260 cm de haut sur 389 cm de large.

Cette œuvre représente cinq personnes des deux sexes dansant en cercle et se tenant la main. Les personnages sont nus, un thème qui a intéressé Matisse tout au long de sa carrière.

68. Les Hasards heureux de l'escarpolette, Jean Honoré Fragonard

La Balançoire est un tableau de l'artiste français rococo Jean-Honoré Fragonard créé en 1767. Il s'agit d'une peinture exécutée sur toile aux dimensions de 81 cm. par 65 cm. et est conservée à la Wallace Collection de Londres.

Les barons fortunés ont commandé ce tableau à Fragonard en hommage à sa maîtresse, qui figure sur le tableau. On dit que la commande initiale était destinée à un autre peintre, Gabriel François Doyen, mais qu'il l'a refusée en raison de son audace. Il est devenu le symbole de toute une époque, le Rococo, pour son raffinement et sa volupté.

69. Des glaneuses, de Jean-François Millet

Les glaneuses est une peinture à l'huile réalisée par Jean-François Millet en 1857. Il s'agit d'une représentation réaliste de femmes en train de récolter. Le tableau est célèbre pour avoir montré de manière très humaniste la réalité de la société rurale du XIXe siècle, ce qui a séduit de nombreuses personnes mais n'a pas été bien accueilli par la haute société française. Lorsqu'elle est exposée au Salon de Paris de 1857, la toile est jugée "dangereuse". 

70. Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard, de Jacques-Louis David

Napoléon traversant les Alpes est le titre de cinq œuvres représentant un portrait de Napoléon Bonaparte, peint par l'artiste français Jacques-Louis David entre 1801 et 1805. Le tableau initialement commandé par l'ambassadeur d'Espagne en France montre une version fortement idéalisée de l'armée de Napoléon traversant les Alpes en 1800.

71. La Grande Vague de Kanagawa, de Hokusai

 La Grande Vague de Kanagawa, également appelée simplement La Vague ou La Grande Vague, est une célèbre estampe japonaise de Katsushika Hokusai, publiée entre 1830 et 1833. Cette estampe, la plus célèbre d'Hokusai, était la première de sa série Fugaku sanjūrokkei et la plus célèbre estampe de ce genre. C'est également l'une des images les plus célèbres au monde.

72. Les Joueurs de cartes, de Paul Cézanne

Les joueurs de cartes est une série de cinq tableaux réalisés par le peintre français Paul Cézanne entre 1890 et 1895, représentant un groupe d'hommes fumant et jouant aux cartes. 

Elle appartient à la période de maturité (années 1890) au cours de laquelle Cézanne a réalisé la plupart de ses œuvres majeures. C'est à cette époque que Cézanne est invité à exposer avec le groupe Les XX à Bruxelles et qu'il réalise sa première exposition à Paris.

73. La Naissance de Vénus, de William-Adolphe Bouguereau

La Naissance de Vénus est l'un des tableaux les plus célèbres de William-Adolphe Bouguereau. La peinture a été réalisée en 1879. Il s'agit d'une représentation de la naissance de Vénus, la déesse romaine de l'amour. Ce tableau mesure 300 cm sur 218 cm, a été peint à l'huile et est actuellement exposé au Musée d'Orsay à Paris.

 

74. Un bar aux Folies Bergère, d'Édouard Manet

La dernière grande œuvre du peintre français Édouard Manet, Un bar aux Folies-Bergère , a été peinte et exposée au Salon de Paris en 1882. L'œuvre de Manet fait exception à la tendance générale de l'impressionnisme en termes de thèmes et de lieux choisis - cafés, cabarets, voire maisons closes - en concentrant son travail sur le célèbre cabaret parisien des Folies Bergère. Cette peinture peut être vue au Courtauld Institute of Art de Londres.

75. La Dame de Shalott, de John William Waterhouse

Le tableau de John William Waterhouse, La Dame de Shalott, est l'une de ses œuvres les plus célèbres. L'œuvre a été peinte en 1888 et exposée en 1894. Le tableau se trouve actuellement à la Tate Britain à Londres.

76. Washington traversant le Delaware, d'Emanuel Leutze

La peinture à l'huile sur toile de 1851 Washington traversant le Delaware du peintre germano-américain Emanuel Gottlieb Leutze est une représentation de George Washington et de ses hommes effectuant une traversée militaire. Elle est exposée au Metropolitan Museum of Art de New York.

77. Portrait de Madame X, de John Singer Sargent

 Madame X est le titre informel d'un portrait peint par le peintre anglo-américain John Singer Sargent de Virginie Amélie Avegno Gautreau. Le modèle était une jeune femme américaine née en Louisiane. Figure importante de la haute société parisienne de l'époque, elle épouse Pierre Gautreau, un banquier français.

Le tableau a été exposé pour la première fois au Salon de Paris de 1884, mais a provoqué un grand scandale qui a poussé son créateur à quitter Paris pour Londres. Le tableau montre une jeune femme portant une robe moulante en satin noir dont les bretelles sont incrustées de pierres précieuses, posant de manière ostentatoire.

78. Les Grandes Baigneuses, de Paul Cézanne

Les Grandes Baigneuses est une œuvre d'art du peintre français Paul Cézanne. Il a été peint à l'huile sur toile. Mesurant 208 cm de haut et 251 cm de large, c'est l'une des plus grandes œuvres de l'artiste. Le tableau a été réalisé en 1906. Elle est conservée au Museum of Art de Philadelphie, aux États-Unis.

79. Quand te maries-tu ? De Paul Gauguin

 Quand te marieras-tu ? est un tableau de Paul Gauguin réalisé en 1892 lors de son premier séjour à Tahiti. Prêté au Kunstmuseum de Bâle pendant près d'un demi-siècle, il a été vendu par la famille de Rudolf Staechlin à un acheteur inconnu, par l'intermédiaire de Qatar Museums, en février 2015 pour près de 300 millions de dollars.

Dans le coin inférieur gauche, elle porte la signature "P. Gauguin 92", tandis que dans le coin droit, on peut lire "Nafé Fa'a ipoipo". En tahitien, le titre est incomplet. Il se compose du pronom interrogatif Nafé (quand) et du verbe fa'aipoipo (se marier), mais il manque un pronom personnel.

80. Rue de Paris, temps de pluie, de Gustav Caillebote

 Rue de Paris, temps de pluie, une huile sur toile réalisée en 1877 par le peintre français Gustave Caillebotte (1848-1894). Elle est conservée au Musée d'art moderne de New York, aux États-Unis. 

Le tableau a été exposé lors de la troisième exposition impressionniste, organisée par la Société anonyme des Artistes Peintres, Sculpteurs et Graveurs à Paris en avril 1877. Après la mort de l'artiste, le 21 février 1894, son œuvre est à nouveau exposée lors de la rétrospective organisée par Paul Durand-Ruel.

81. L'Astronome, de Johannes Vermeer

L'Astronome est une peinture à l'huile sur toile (51 cm × 45 cm) réalisée par Johannes Vermeer vers 1668. Elle se trouve actuellement au Louvre.

Les scientifiques étaient parmi les sujets les plus courants dans la peinture hollandaise du 17e siècle. L'homme du tableau semble être le même que celui de "Le Géographe", une œuvre similaire peinte à la même époque. Il pourrait s'agir d'Anton van Leeuwenhoek, un scientifique et ami du peintre vivant à Delft.

82. Les Musiciens, de Caravage

Les Musiciens est la première œuvre d'une série de tableaux connus sous le nom de "tableaux Del Monte", créés par le Caravage entre 1591 et 1595 pour le cardinal Francesco Del Monte. Plus précisément, il s'agissait de l'un des quatre tableaux qui ornaient sa loge dans son Palazzo Madama.

Le tableau montre un trio de jeunes musiciens, probablement en train de répéter ou sur le point de donner un concert. À partir de cette œuvre, la musique restera un thème dans les peintures de Caravage. En outre, ce tableau a amorcé une tradition de représentation courante de l'artiste dans ses œuvres, comme en témoigne le jeune homme à droite qui regarde le spectateur. Peut-être ces personnages sont-ils simplement des connaissances ou des amis du Caravage, étant donné le grand réalisme du tableau.

83. L'Arbre de Vie, Stoclet Frieze, de Gustav Klimt

L'Arbre de Vie, Frise Stoclet a été peint par l'artiste autrichien Gustav Klimt en 1909. Ce style de peinture est caractérisé comme Art nouveau (moderne) et comme une représentation symbolique. Elle se trouve au Musée des arts appliqués de Vienne.

Cette peinture est une étude pour trois mosaïques créées par Klimt en 1905-1911 pour remplir un contrat avec le palais Stoclet à Bruxelles, en Belgique.

84. L'Arrestation du Christ , de Caravage

Le peintre baroque Michelangelo Merisi da Caravaggio a créé L'arrestation du Christ vers 1602. L'œuvre est visible à la National Gallery of Ireland, à Dublin.

Sept personnages sont représentés dans le tableau. Il s'agit, de gauche à droite, de : Jean l'Apôtre, Jésus, Judas Iscariote, trois soldats et un homme.

85. Parmi la Sierra Nevada, de Albert Bierstadt

 Parmi la Sierra Nevada est une peinture à l'huile sur toile réalisée en 1868 par l'artiste germano-américain Albert Bierstadt. Elle représente un paysage de la chaîne de montagnes de la Sierra Nevada en Californie. Le tableau, qui a été créé à Rome et exposé dans toute l'Europe, a suscité un courant d'immigration vers les États-Unis après sa création. Mesurant 183 cm sur 305 cm (72 pouces sur 120+1⁄8), le tableau est une pièce maîtresse de la collection du Smithsonian American Art Museum à Washington, D.C.

86. La Mer de glace, de Caspar David Friedrich

 La mer de glace de Caspar David Friedrich (1823-1824) représente un naufrage dans l'Arctique. Les peintures étaient connues sous le nom de "La mer polaire" avant 1826.

L'œuvre a été initialement exposée en 1824 à l'exposition de l'Académie de Prague, sous le titre Scène idéalisée d'une mer arctique avec un navire naufragé sur les masses de glace amoncelées. Le sujet de l'œuvre et sa composition radicale étaient inhabituels pour l'époque, et elle a été mal accueillie.

87. Le Rêve, de Pablo Picasso

"Le Rêve" est une huile sur toile de 1932 (130 x 97 cm) de Pablo Picasso, représentant sa maîtresse Marie-Thérèse Walter, qui avait 22 ans à l'époque. On dit que le tableau a été achevé en un après-midi, le 24 janvier 1932. Elle appartient à la période déformée de Picasso, qui utilisait des contours simplifiés et des couleurs contrastées pour créer un effet cubiste. Le 26 mars 2013, le tableau a été vendu lors d'une vente privée pour 155 millions de dollars.

88. La Madone, d'Edvard Munch

La Madone, un tableau du peintre expressionniste norvégien Edvard Munch, est l'une de ses œuvres les plus célèbres. Munch a réalisé plusieurs versions de la Madone en 1894 et 1895. Certaines ont été réalisées à l'huile sur toile, tandis que d'autres ont été gravées, principalement des lithographies.

Une version de ce tableau est exposée au musée Munch, d'où il a été volé en 1994 avec Le Cri du même auteur, puis retrouvé deux ans plus tard. Deux autres versions sont détenues par la Kunsthalle de Hambourg et la National Gallery of Norway. D'autres exemplaires de Turing sont actuellement entre les mains de deux collectionneurs privés. L'un appartient à l'homme d'affaires Nelson Blitz, et l'autre a été acheté en 1999 par Steven A. Cohen.

89. L'Annonciation, de Léonard de Vinci

Le tableau de Léonard de Vinci, L'Annonciation, est l'une des peintures les plus célèbres du peintre italien de la Renaissance. Il est peint à l'huile sur carton et mesure 98 cm. La peinture est réalisée à l'huile sur panneau (bois de peuplier). Elle mesure 98 cm. de haut et 217 cm. de large, et date de la période 1472-1475. Il est conservé à la Galerie des Offices à Florence.

90. Le Retour du fils prodigue, de Rembrandt

Le retour du fils prodigue est un tableau du peintre néerlandais Rembrandt. Le tableau est une huile sur toile, et a été peint vers 1662. Il mesure 262 centimètres de haut et 205 centimètres de large. 

Elle est maintenant exposée au musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg (Russie). Le tableau est basé sur la parabole du fils prodigue que l'on trouve dans la Bible. La parabole de l'évangéliste Luc (c.15, v.11-32), également connue sous le nom de "Parabole du Père miséricordieux", est représentée dans cette image. Cette scène représente le moment culminant de la pièce, lorsque le père pardonne à son fils repentant de s'être mal comporté.

91. Lady Godiva, de John Collier

Lady Godiva est un tableau de John Collier, qui l'a peint en 1897. L'œuvre mesure 142 x 183 cm et est une peinture à l'huile. Le tableau se trouve à la Herbert Art Gallery and Museum de Coventry. C'est peut-être l'œuvre la plus reconnaissable de Collier et la plus caractéristique par son sujet et sa perfection technique. Le moment dépeint est celui où a lieu le défi de la comtesse, un moment critique de l'intrigue de la légende de Lady Godiva qui en est l'une des représentations les plus remarquables.

92. La Jeune Martyre, de Paul Delaroche

La Jeune Martyre de Paul Delaroche est une peinture à l'huile. Achevée en 1855, elle est une œuvre d'art de genre romantique. La Jeune Martyre dépeint le martyre historique d'une femme chrétienne, tandis que simultanément, un halo d'un autre monde, émanant du front de la Martyre, souligne l'effet émotionnel dramatique de la peinture. Le Jeune Martyr mesure 1,71 mètre sur 1,48 mètre, soit 67,3 pouces sur 58,3 pouces.

93. Philosophe en méditation, de Rembrandt

 Philosophe en méditation, également connu sous le nom de Boursier en méditation, est un tableau du peintre néerlandais Rembrandt (1606-1669) conservé au musée du Louvre à Paris, en France.

 

94. La Tempête, de Pierre Auguste Cot

 La Tempête est un tableau réalisé par l'artiste français Pierre Auguste Cot en 1880. Actuellement exposée au Metropolitan Museum of Art de New York, elle a été commandée en 1880 par Catharine Lorillard Wolfe sous la direction de son cousin John Wolfe, l'un des principaux mécènes de l'artiste.

Le tableau rappelle une œuvre antérieure, Printemps, que Cot a créée en 1870. Il a ensuite été acheté par John Wolfe après avoir été exposé avec un succès étonnant au Salon de 1873. L'existence de Spring dans la collection de Wolfe a peut-être incité sa cousine, Catharine Lorillard Wolfe, à l'acheter en 1880. Toutes deux ont à peu près les mêmes dimensions et sont manifestement liées dans leur représentation d'un jeune couple nubile. C'est pour cette raison que les deux œuvres sont considérées comme faisant partie d'une paire symbiotique, où le succès de la première a conduit à la création de la seconde.

95. Bashi-Bazouk, de Jean-Léon Gérôme

 Bashi-Bazouk est un tableau de l'artiste français Jean-Léon Gérôme. Le tableau, réalisé à l'huile sur toile, représente un Bashi-bazouk, un soldat de l'Empire ottoman. Actuellement, la peinture est exposée au Metropolitan Museum of Art.

Peint entre 1868 et 1869 par l'artiste français Jean-Léon Gérôme, ce tableau représente un homme à la peau sombre habillé en bashi-bazouk, un groupe de soldats ottomans irréguliers tristement célèbre pour sa brutalité. En 1868, lors d'un voyage au Proche-Orient, Gérôme acquiert les vêtements que l'on voit sur le tableau. Les vêtements hétéroclites du modèle rappellent ceux des Bashi-bazouks. En effet, les soldats n'étaient traditionnellement pas payés et n'adoptaient pas d'uniforme standardisé ; ils portaient plutôt ce qu'ils pouvaient acquérir.

96. Judith et Holopherne, de Caravage

Le récit biblique de Judith et Holopherne a inspiré le tableau du Caravage de 1599 "Judith et Holopherne". Plus précisément, elle est basée sur l'histoire du livre de Judith, rejeté par les auteurs protestants mais maintenu dans la Bible de 1592 par les papes catholiques Sixte V et Clément VIII.

Dans le célèbre tableau du Caravage représentant Judith et Holopherne, Judith tient une lame sur la gorge du général tandis qu'un serviteur prépare un repas derrière elle. Le tableau a suscité l'horreur et la surprise chez les visiteurs de sa première présentation, car le Caravage a réussi à rendre le sujet de manière directe, avec une réalité et une honnêteté brutale.

97. La Liseuse, de Jean-Honoré Fragonard

La Jeune fille qui lit, également connue sous le nom de La Liseuse, est une peinture à l'huile du XVIIIe siècle réalisée par Jean-Honoré Fragonard. Elle représente une jeune fille non identifiée, vêtue d'une robe jaune citron avec un col et des poignets blancs à volants et des rubans violets, lisant dans un petit livre tenu dans sa main droite. Le tableau est conservé à la National Gallery of Art de Washington, DC.

98. La pie, de Claude Monet

La Pie, une huile sur toile du peintre impressionniste Claude Monet, a été réalisée entre 1868 et 1869 dans les environs d'Étretat, en Normandie. En 1883, Louis Joachim Gaudibert, le mécène de Monet, a organisé une maison pour la fiancée de Monet et son fils nouveau-né à Étretat, ce qui a permis à Monet de peindre dans un confort relatif, entouré de ses amis.

 

99. Vénus à son miroir, de Diego Vélasquez

La Vénus au miroir de Velázquez est un tableau du Siècle d'or espagnol qui met en scène le peintre le plus remarquable de cette période. Le tableau se trouve actuellement à la National Gallery, où il est appelé La Toilette de Vénus ou La Vénus de Rokeby.

Le tableau représente la déesse Vénus allongée sur un lit et regardant dans un miroir tenu par le dieu de l'amour sensuel, son fils Cupidon. C'est un thème mythologique que Velázquez, comme il en a l'habitude, rend avec un traitement mondain. Il dépeint la femme simplement comme une femme, contrairement aux Grecs anciens, qui la voyaient comme une déesse.

100. La danse à Bougival, de Pierre-Auguste Renoir

 En 1883, le peintre Pierre-Auguste Renoir a créé Danse à Bougival , une huile sur toile qui se trouve aujourd'hui dans la collection du Museum of Fine Arts de Boston, dans le Massachusetts. Le tableau a été décrit par un critique d'art comme "l'une des œuvres les plus appréciées du musée". Le tableau représente deux amis de Renoir : Suzanne Valadon et Paul Auguste LIhote.

Geoffrey CONCAS
Geoffrey CONCAS